Non è facile diventare un bravo stilista di moda. Non solo è necessario un certo talento, ma anche la comprensione di metodi di apprendimento efficaci e la volontà di impegnarsi a fondo per raggiungere il successo.

Importanza di raccogliere e organizzare materiali professionali e vari tipi di informazioni

Sebbene il metodo di progettazione dell'abbigliamento riciclato sia pratico, da un punto di vista più ampio è difficile sfuggire all'influenza delle idee altrui e raggiungere una vera innovazione e trascendenza. Pertanto, abbiamo bisogno di ottenere maggiori informazioni al di là del nostro campo professionale, come i risultati dello sviluppo tecnologico, le tendenze culturali, le opere d'arte di vari generi e le tendenze e i concetti ideologici riflessi nella letteratura, nella filosofia e nella musica. Questo amplierà le nostre conoscenze, aumenterà i nostri orizzonti e ci permetterà di imparare dagli altri, ottenendo più ispirazione e generando idee migliori.

Imparare e migliorare attraverso l'imitazione

L'imitazione è una caratteristica intrinseca comune a tutte le forme di vita superiori. Uno psicologo americano ha affermato che l'imitazione, come uno dei modelli di comportamento umano, è il risultato dell'apprendimento. Dal punto di vista del comportamento stesso, l'uso dell'imitazione nel processo di apprendimento dovrebbe essere considerato una forma di plagio, l'opposto della creazione; non dimostra quanto siano buone le proprie capacità o abilità. Tuttavia, bisogna riconoscere che molte invenzioni o creazioni di successo iniziano con l'imitazione, e l'imitazione dovrebbe essere vista come un ottimo metodo di apprendimento.

Migliorare continuamente le nostre capacità estetiche e stabilire i nostri valori estetici

La capacità estetica, nota anche come “apprezzamento estetico”, si riferisce alla capacità delle persone di riconoscere e valutare la bellezza, le cose belle e le varie caratteristiche estetiche. In altre parole, comprende la sensibilità, il giudizio, l'immaginazione e la creatività necessari alle persone per analizzare e valutare esteticamente varie cose e fenomeni nella natura e nella vita sociale. Per i designer, coltivare e migliorare la capacità estetica è fondamentale. Chi possiede una forte capacità estetica è in grado di scoprire rapidamente la bellezza, cogliere gli elementi essenziali nascosti nel profondo degli oggetti estetici ed elevare la propria percezione sensoriale a una comprensione razionale. Solo in questo modo è possibile creare e progettare la bellezza. Affidarsi esclusivamente all'ispirazione momentanea senza coltivare la raffinatezza artistica acquisita rende difficile sviluppare un talento e una profondità straordinari.

Renditi più sensibile il prima possibile

L'ispirazione iniziale e gli spunti per il design provengono spesso da tutti gli aspetti della vita. Alcune cose possono sembrare ordinarie o insignificanti, ma possono contenere molti aspetti brillanti. Se i designer non se ne accorgono e non riescono a scoprirne l'esistenza, non saranno in grado di coglierli e utilizzarli in tempo. In tal caso, molti materiali di design utili andranno persi.

Renditi alla moda il prima possibile

Sebbene le cose alla moda non siano sempre belle o di buona qualità, i designer devono avere una mentalità aperta e non avere pregiudizi nei confronti delle nuove idee e dei nuovi fenomeni. Devono imparare a mettersi nei panni degli altri, ad accettarli e a riflettere su di loro. Solo così i loro progetti potranno stare al passo con i tempi e persino guidare le tendenze della moda.

Creare attivamente opportunità per esercitarsi

Il fashion design è una disciplina altamente pratica. Solo attraverso la pratica continua è possibile comprendere veramente l'abbigliamento, acquisire un'esperienza più diretta e creare modelli davvero validi e utili.

Imparare a comunicare, scambiare idee e cooperare con gli altri

Come designer, è fondamentale coltivare lo spirito di squadra e imparare a comunicare, scambiare idee e collaborare con gli altri. Queste competenze devono essere sviluppate e coltivate durante gli studi e dovrebbero diventare un'abitudine, poiché saranno molto utili per il lavoro futuro.

1. Inizia imparando a disegnare il corpo umano per acquisire familiarità con esso.
2. Dopo aver imparato a disegnare le figure, impara le relazioni cromatiche di base.
3. Inizia ad apprendere alcune nozioni di base sul fashion design, partendo dal disegno di bozzetti di modelli.
4. Dopo aver appreso quanto sopra, avrai acquisito una conoscenza di base del corpo umano, dei colori e dello stile. Successivamente, impareremo l'effetto dell'abbigliamento sul corpo umano.
5. Consiglio i due libri “Classic American Fashion Illustration Techniques” (edizioni base e avanzata). Seguendo gli esercizi proposti nei libri e impegnandoti, sono certa che riuscirai a disegnare illustrazioni di moda in modo professionale.
6. Impara alcune tecniche di modellistica per assicurarti di comprendere il processo di produzione dei capi che disegni.

Come diventare un buon stilista di moda:

Primo: Hanno un alto livello di competenza nel settore dell'abbigliamento e un acuto senso delle tendenze della moda!

Secondo: Soddisfa la domanda del mercato e detiene una quota di mercato elevata!

Terzo: Un buon designer è in grado di completare autonomamente l'intero processo, dalla progettazione creativa alla realizzazione dei modelli e alla produzione del capo finito!

Quarto: Acquisisci familiarità con i tessuti e impara a combinarli e abbinarli in modi diversi!

Per diventare stilista di moda, bisogna innanzitutto amare l'arte e cogliere le tendenze, e in secondo luogo possedere profonde conoscenze artistiche e solide capacità di disegno. Inoltre, bisogna avere un ideale: creare un proprio mondo artistico unico, sperare di realizzare i propri sogni e osare essere un pioniere nella moda. Bisogna essere un esploratore della moda e un trendsetter, con una profonda passione per l'abbigliamento e un apprezzamento unico per i tessuti e gli accessori comuni.

Quindi quali competenze e conoscenze dovrebbe possedere uno stilista? Alcuni credono che il fashion design sia semplice: basta sfogliare le riviste, trovare un colletto qui, una manica là, e metterli insieme: tutto qui. Altri pensano che basta saper cucire abiti per diventare stilisti. Altri ancora credono che basti saper disegnare illustrazioni di moda per diventare designer. In realtà, il primo tipo di “stilista” spesso crea un miscuglio di parti di abbigliamento non correlate tra loro; il secondo tipo è spesso limitato dalle proprie scarse competenze manifatturiere e incapace di adattarsi alle esigenze di un mercato in rapida evoluzione; il terzo tipo sa solo disegnare, ma poiché non capisce come realizzare effettivamente i capi, la maggior parte dei suoi disegni è irrealizzabile. Chiaramente, tutti e tre i punti di vista sono in qualche modo distorti.

Il fashion design richiede frequenti riferimenti alle opere di successo dei predecessori, traendo ispirazione e nutrimento da capi eccellenti, ma questo non equivale affatto a un semplice assemblaggio o a una copia. Le tecniche di taglio e cucito sono fondamenti cruciali del fashion design e mezzi importanti per esprimere l'intento progettuale, ma padroneggiare il taglio e il cucito non equivale a padroneggiare il design, così come suonare il pianoforte non equivale a comporre, o costruire un muro non equivale a progettare un edificio. Essere in grado di disegnare illustrazioni di moda significa semplicemente acquisire uno strumento per esprimere l'intento progettuale. Come si può vedere dal processo di progettazione della moda sopra descritto, disegnare bozzetti di design è solo l'inizio del processo di progettazione. Chi non capisce come realizzare il proprio intento progettuale e si limita a “discussioni teoriche” non sopravviverà alla feroce concorrenza del mercato. Infatti, i “designer” che sanno solo disegnare illustrazioni di moda non riescono a trovare lavoro al giorno d'oggi.

Consigli pratici per stilisti di moda

Molti designer hanno spesso avuto difficoltà ad adattarsi ai nuovi ambienti nei primi anni dopo la laurea, sentendo che nulla andava per il verso giusto e credendo che il loro talento non fosse valorizzato.

Molti designer, quando iniziano la loro carriera, potrebbero cercare ovunque linee guida di progettazione o seguire ciecamente tendenze e principi, e così facendo spesso evitano errori. Tuttavia, con l'aumentare dell'esperienza, ci si rende gradualmente conto che applicare meccanicamente le linee guida senza incorporare il proprio pensiero rende difficile ottenere risultati innovativi.

Inoltre, una progettazione inadeguata e cattive abitudini lavorative hanno costantemente ostacolato la mia crescita e il mio miglioramento.

Ho raccolto 7 sinceri suggerimenti per i designer per aiutarvi a superare i vostri limiti nel vostro percorso di progettazione.

Io, enfatizzo l'accumulo

I designer, in particolare quelli di moda, sono coinvolti praticamente in tutto. Se si tratta di estetica, arte o anche vita, se abbiamo conoscenze sufficienti, possiamo rapidamente trovare contenuti adeguati quando pianifichiamo un progetto o progettiamo un tema, modellarlo rapidamente nella nostra mente e poi trasformarlo e integrarlo.

A volte, la mancanza di idee deriva da una mancanza di conoscenza e comprensione. Quando è il momento di mettersi al lavoro, non sai da dove cominciare: ”anche un cuoco esperto non può preparare un pasto senza riso”.”

In questo momento, devi trarre ispirazione e indizi da tutti gli aspetti e integrare ciò che senti, vedi e conosci senza limiti .

Ad essere sinceri, non è qualcosa che si può ottenere tutto in una volta sfruttando elementi come linee, colori, tessuti, dettagli e maestria artigianale; richiede un accumulo graduale e un processo di sviluppo progressivo.

Se hai accumulato conoscenze sufficienti, dopo esserti ampliato fino a un certo punto, dovresti iniziare a cercare di stabilire connessioni astratte o sottrazioni. A questo punto, avrai bisogno della tua logica di progettazione di base e del tuo pensiero strutturato.

— Come si fa?

1. Studiare, imitare e analizzare progetti eccellenti aiuta i designer ad accumulare materiali di progettazione e informazioni correlate;
2. Crea la tua libreria di risorse. Che si tratti di immagini, testi o video, queste sono le migliori fonti di risorse per il tuo sviluppo personale e le tue idee.
3. Una volta completato un progetto di sviluppo trimestrale o una serie di progetti, è necessario riassumere, rivedere e monitorare i risultati di vendita per prepararsi alla progettazione successiva e gettare le basi per migliorare le proprie capacità.

II, Enfatizzare la comunicazione

Esaminiamo prima uno scenario:

Il direttore ha dato un campione di abbigliamento al designer A e gli ha detto di usarlo come riferimento per creare tre varianti.

Il designer A ha fatto gli straordinari per completare la bozza del progetto e l'ha consegnata al direttore per la revisione il giorno successivo. Il direttore ha detto che lo stile esteso non era corretto e la bozza del progetto è stata rispedita indietro per essere rifatta.

Lavorare oltre l'orario e impegnarsi così tanto, solo per vedere il proprio manoscritto rifiutato alla fine: non è incredibilmente frustrante e scoraggiante?

Allo stesso modo, esistono problemi di comunicazione tra assistenti di progettazione e progettisti, nonché tra direttori e capi.

“Questo non è quello che voglio.”

“Non ho requisiti particolari, sei libero di fare come preferisci.”

“Neanch'io so quale tipo vorrei. Perché non ne disegni uno tu per primo?”

Il dialogo sopra riportato può sembrare familiare, ma situazioni di questo tipo indicano una mancanza di comunicazione autentica.

Non credere a chi dice che non ci sono requisiti. Una volta finito, i requisiti si accumuleranno improvvisamente e ti verrà chiesto di apportare ogni tipo di modifica.

Pertanto, comunica di più con gli altri prima di fare qualsiasi cosa. Se non hanno requisiti particolari, aiutali a esprimerli. Una volta individuati i requisiti chiave, mostra loro un'immagine di riferimento o altro per confermare che corrispondano alla tua comprensione.

Ad esempio:

Il manager ha detto che il nostro stile dovrebbe tendere alla femminilità. Ok, qual è la tua idea di femminilità? Che tipo di femminilità? Posso mostrarti più di cinque immagini di diversi stili di femminilità. A quale ti riferisci?

Ad esempio, conosci qualche marchio con uno stile che ti piace? Oppure puoi cercare online gli stili che ti piacciono e inviarmeli. Nessun testo, solo immagini: immagini che trasmettano accuratamente ciò che intendi.

Fai tutte le domande che vuoi e comunica di più. Non aver paura di dare fastidio all'altra persona. Chi fa bene le cose di solito è un po' fastidioso.

III, Non prestare troppa attenzione ai dettagli

Riconosco che i dettagli sono importanti. Quando si ha il tempo e le risorse per occuparsi di questi piccoli dettagli, è necessario farlo bene.

Tuttavia, vedo spesso team o designer che, ignorando le questioni principali, si fissano su dettagli secondari. È come se le travi d'acciaio della casa fossero storte, ma noi stiamo ancora pensando a che colore dipingere le pareti.

Pertanto, i dettagli in sé non sono sbagliati; l'errore sta nel trascurare il quadro generale e concentrarsi direttamente sui dettagli.

Ad esempio:

Quando si disegna un rendering, è necessario determinare prima le proporzioni, poi la dinamica e infine la struttura. Solo dopo aver completato bene questi tre passaggi è possibile lavorare sull'abbigliamento, sui dettagli e sulle linee. La chiave è confrontare le relazioni tra le diverse parti e ingrandire l'immagine per verificare che il design complessivo sia armonioso.

Quando si disegna uno schizzo di progetto, è necessario determinare prima il contorno, poi le proporzioni e le divisioni e infine la struttura. Infine, è necessario considerare le tecniche, i dettagli e il tratto.

Per prima cosa, definisci il posizionamento generale, lo stile e il pubblico di riferimento del prodotto prima di iniziare a progettare, cercare immagini e disegnare. Non affrettarti a produrre immagini, decorazioni o abiti.

Quando si pianifica il design, seguire la logica di volume, piano, linea e punto e procedere nell'ordine di cerchi grandi che racchiudono cerchi più piccoli, eviterà il caos e l'inutilità. Inoltre, eviterà di perfezionare i dettagli solo per scoprire che alla fine l'intero progetto deve essere scartato.

Come stilista di moda, è fondamentale trovare un equilibrio tra efficacia ed efficienza.

Non c'è bisogno di impantanarsi ogni volta in dettagli inutili. Dovresti controllare il tuo ritmo. Sai come essere meticoloso, ma dovresti anche sapere come preoccuparti meno delle inezie e produrre rapidamente .

Dovresti anche capire che scegliere di lasciar perdere alcuni difetti che puoi accettare temporaneamente e conservare le tue energie per risolvere problemi più urgenti renderà il tuo lavoro più efficace . Questo ti aiuterà anche a sviluppare la tua capacità di controllare l'avanzamento della progettazione.

IV, Prestare attenzione alla flessibilità

Esempi reali:

Due designer mi hanno particolarmente colpito: uno era molto esperto, l'altro ancora più creativo. Il creativo, in particolare, produceva le cose con eccezionale rapidità.

La persona esperta è più razionale nella progettazione. Avrà 7-8 alternative e si consulterà con altri colleghi. Grazie alla sua esperienza, spesso è più indecisa e vuole sempre raggiungere la perfezione. Presterà grande attenzione anche ai problemi più piccoli.

Con il passare del tempo, le idee progettuali del designer esperto divennero sempre più limitate e la sua produzione diminuì progressivamente. Nel frattempo, un altro designer, grazie al graduale accumulo di esperienza e al forte pensiero creativo, superò gradualmente il “veterano”.

Non è che essere razionali e cauti sia una cattiva abitudine, ma piuttosto la chiave sta nel sapere quando essere razionali e cauti.

Il campo del design commerciale ci impone di essere altamente inclusivi e dobbiamo essere bravi ad adattare il nostro modo di pensare.

Se al momento non hai idee migliori, prova a mettere da parte il lavoro, a fare una pausa o a dedicarti a qualcos'altro per dare al tuo cervello un po' di riposo.

Dopotutto, essere un designer non è come essere un operaio in fabbrica, dove lavorare di più non significa necessariamente ottenere maggiori benefici.

Entro i limiti dell'avanzamento del lavoro, devi essere in grado di passare da un'attività all'altra in modo tempestivo, o semplicemente non lavorare affatto, ed evitare di rimanere bloccato su un'unica attività.

Le persone con un forte senso dello scopo sanno come organizzare il proprio lavoro.

V. Non seguire ciecamente le regole di progettazione

Il motivo della procrastinazione e della testardaggine è in realtà che siamo troppo concentrati sul fatto di conformarci alle regole.

Innanzitutto, è importante capire che usare le regole non significa applicarle ciecamente.

Non so se è perché non mi piace seguire le regole, ma quando qualcuno mi dice una regola, non posso fare a meno di metterla in discussione o cercare di infrangerla.

Perché sono più abituato a riassumere le regole basandomi sulla mia esperienza pratica.

Ovviamente non sono sempre stato così. Quando frequentavo l'università e quando ho iniziato a lavorare, progettavo onestamente secondo le regole.

Ad esempio, ho imparato molti dei cosiddetti “principi del design dell'abbigliamento”:

Principi del design di moda

Principio di unità

Unità e armonia hanno significati simili. Nel design di moda, l'unità si ottiene spesso attraverso il coordinamento di elementi e tecniche. In un buon design, la disposizione delle diverse parti di un capo, così come il rapporto tra le parti e il tutto - come materiali, colori e linee - dovrebbe essere coerente. Se questi elementi variano troppo, il design mancherà di coerenza. La ripetizione è il modo più comune per ottenere l'unità. Ad esempio, l'uso ripetuto degli stessi colori o delle stesse linee può creare uno stile distintivo.

Principio di enfasi

Enfasi (nota anche come accento o design del punto focale). Sebbene l'unità sia importante nel design, un'unità eccessiva può risultare noiosa. L'approccio più efficace consiste nell'evidenziare una parte distintiva per creare un punto focale visivo. L'enfasi può essere ottenuta attraverso il contrasto cromatico (ad esempio utilizzando bordature rosse su un abito di colore scuro), il contrasto dei materiali (ad esempio combinando pelliccia di coniglio con tessuto di lana), la disposizione delle linee (ad esempio bordature bianche su colletti o polsini), i dettagli di taglio (come mantelle o modelli con linea princess) e l'uso di accessori (come sciarpe di seta o collane dai colori metallici). Tuttavia, l'enfasi dovrebbe essere usata in modo selettivo: troppi punti focali indeboliscono l'effetto. L'area enfatizzata non dovrebbe essere eccessiva e dovrebbe essere posizionata sulla parte del corpo esteticamente più piacevole per fungere da centro visivo.

Principio dell'equilibrio

L'equilibrio conferisce all'abbigliamento un senso di stabilità e tranquillità ed è un principio fondamentale di un buon design. L'equilibrio può essere suddiviso in equilibrio simmetrico ed equilibrio asimmetrico.
L'equilibrio simmetrico utilizza la linea centrale del corpo umano come asse, con i lati sinistro e destro esattamente identici. Questo tipo di design crea un'atmosfera dignitosa e formale, ma può apparire un po' rigido.
L'equilibrio asimmetrico si concentra sull'equilibrio visivo. Sebbene i lati sinistro e destro siano diversi nel design, danno comunque una sensazione di equilibrio. Questo risultato si ottiene spesso attraverso disegni diagonali (come gli orli diagonali), che conferiscono un'impressione più vivace e delicata. Inoltre, è necessario prestare attenzione all'equilibrio tra la parte superiore e quella inferiore del capo, evitando un aspetto sbilanciato verso l'alto o verso il basso.

Principio di proporzione

La proporzione si riferisce alla distribuzione delle dimensioni tra le diverse parti dell'abbigliamento. Una proporzione adeguata crea un effetto visivo armonioso. Ad esempio, il rapporto tra la scollatura e la dimensione del colletto e le proporzioni estetiche dei capi devono essere adeguati. Il “rapporto aureo” viene spesso applicato nel design della moda. Inoltre, anche le proporzioni degli accessori e degli elementi decorativi devono essere attentamente valutate.

Principio del ritmo

Il ritmo si riferisce a elementi ripetuti che creano un senso di movimento e continuità. Alcuni esempi includono la ripetizione ritmica attraverso sfumature di colore, variazioni di forma e dimensione, linee ripetute, motivi cromatici ricorrenti e dettagli decorativi come volant o pieghe. Queste tecniche sono comunemente utilizzate nel design per creare un ritmo visivo.

A quel tempo non sapevo che esistessero regole migliori ed ero troppo giovane per aver avuto problemi nell'applicarle.

Tuttavia, man mano che la tua esperienza e le tue conoscenze cresceranno, ti renderai conto che che alcune regole ci aiutano semplicemente a essere pigri in una certa misura.

Tuttavia, non sto dicendo che non esistano regole e logiche valide nel design, né che le regole non debbano essere seguite affatto. Sto solo suggerendo di non applicare le regole in modo cieco.

Prima di utilizzare qualsiasi regola di progettazione, è necessario valutare se sia ragionevole applicarla in questo caso.

VI, Non affidarti ciecamente alle tendenze

Il principale svantaggio di affidarsi ciecamente alle tendenze è che porta all'omogeneizzazione del design.

Il mercato dell'abbigliamento nazionale, in particolare quello dell'abbigliamento femminile, è da tempo in una fase di stallo. Negli ultimi anni, il contesto di mercato è stato stagnante e alcune aziende hanno ridotto gli investimenti nello sviluppo dell'abbigliamento, o addirittura hanno deciso di seguire direttamente le tendenze della moda abbandonando il design indipendente.

Data questa realtà, al fine di risparmiare sui costi e raggiungere gli obiettivi di rendimento, la maggior parte dei designer (compresi i designer di marca) scegliere di tagliare i modelli dei prodotti più venduti in diverse dimensioni e poi combinarli per creare nuovi modelli.

È giusto dire che il design domestico soffre di una grave omogeneizzazione. Che si tratti di silhouette o della selezione di elementi di tendenza, i design spesso sembrano completamente dissimili. La verità è che le preferenze estetiche cinesi differiscono in modo significativo da quelle europee e americane; enfatizzare eccessivamente l'imitazione porta solo a imitazioni scadenti.

Per quanto ne so, molte aziende di marca stanno già riflettendo su questo tema.

Poiché ogni anno ci sono tendenze diverse, potresti visitare varie piattaforme o mercati, o persino guardare i lanci internazionali dei prodotti. Ma dopo aver esaminato tutto questo, potresti comunque non essere in grado di trarre alcuna conclusione. Questo perché l'ambito è troppo ampio e, anche se riesci a ricavare la conclusione corretta, la tua analisi sarà spesso imprecisa, portando a uno sforzo inutile e a risultati minimi.

Dal punto di vista dei designer, si parla costantemente delle tendenze di oggi e di domani, di ciò che va di moda oggi su Instagram e dei blogger che saranno di tendenza domani. Ma nella pratica, spesso non riescono a mantenere le promesse. O i loro progetti non possono essere tradotti in stili pratici e commerciabili, oppure i prodotti non ottengono buoni risultati dopo essere stati immessi sul mercato.

Quindi, se non seguiamo ciecamente la tendenza, cosa possiamo fare?

Suggerimento:

Non c'è bisogno di seguire ciecamente le tendenze. Devi sapere cosa lasciarti alle spalle, capire chi sei e imparare a costruire la tua competitività di base.

Per quanto riguarda quelle tendenze popolari, hanno certamente le loro ragioni per esistere, o meglio, un certo grado di razionalità. Ma ciò che devi davvero capire è che la tua scelta non si basa sul seguire la tendenza semplicemente perché tutti gli altri la seguono.

VII, Esci dalla tua zona di comfort quando necessario

Qualsiasi lavoro, in base alla familiarità, può essere suddiviso in “zona di comfort”, “zona di formazione” e “zona di sfida” (come illustrato di seguito):

La “zona di comfort” è ovvia. Non è necessario utilizzare strumenti di logica progettuale né pensare. Basta lavorare basandosi sulle proprie sensazioni. Rimanere in questa zona è la cosa più comoda. Tuttavia, il lavoro consiste solitamente nel ripetere sempre le stesse cose, il che non aiuta affatto a migliorare le proprie capacità.

Ad esempio:

“Questo modello e questo tessuto sembrano piuttosto buoni, e anche il colore va bene. Perché non lo proviamo?”

L'area dedicata alla formazione sarà più impegnativa e potrà migliorare notevolmente la tua consapevolezza in materia di progettazione.

A questo punto, devi trasformare quelle “sensazioni” apparentemente grandi e vaghe in strumenti quantificabili.

Ad esempio:

Lo analizziamo da cinque punti di vista, ognuno dei quali corrisponde alle caratteristiche del tessuto. Poi, lo analizziamo ancora di più da diversi aspetti, come la stagione e lo stile, per trovare la combinazione migliore tra tessuto e look.

Se riesci a superare con facilità la “zona di sfida”, allora hai imparato perfettamente come applicare il pensiero che hai appreso, mettere davvero in pratica il pensiero strutturato e renderlo parte delle tue capacità.

Ad esempio:

Riassumi la mentalità alla base della creazione degli ingredienti, poi torna al livello dell'applicazione e metti in pratica la mentalità scomposta nel lavoro reale.

Zona di comfort

Sensazione intuitiva
Scegliere questo tessuto per questo modello sembra una buona idea.,
Il colore sembra ok, magari provalo prima?
Abbina i tessuti direttamente in base alla sensazione.

Zona allenamento

Analisi decostruttiva
Decostruisci da cinque dimensioni,
ogni dimensione corrispondente alle caratteristiche di questo tessuto.
Quindi, da diversi punti di vista, come la stagione e la sensazione,
scomporlo ulteriormente per ricavare il metodo di combinazione del tessuto

Zona sfida

Applicazione sistematica
Riassumi il ragionamento alla base della scelta dei materiali.,
quindi tornare al livello dell'applicazione,
e applicare il pensiero decostruito al lavoro pratico di combinare stili e tessuti.

Non c'è nulla di sbagliato nel concetto di “zona di comfort”. Il problema sta nel rimanere nella nostra zona di comfort per troppo tempo.

Lavorare nella propria zona di comfort comporta solitamente ripetere continuamente le stesse mansioni e non aiuta affatto a sviluppare le proprie competenze.

Pertanto, dobbiamo passare gradualmente dalla nostra “zona di comfort” alla nostra “zona di allenamento”.

Una volta acquisite le competenze nella “zona di allenamento”, passa alla “zona di sfida”, completamente sconosciuta.”

Il comportamento dei designer: sanno come lavorare, come imparare e come vivere

Lo sviluppo delle competenze professionali è essenzialmente un processo simile a questo.

1. Sii proattivo e dediti completamente al tuo lavoro, dimostra forte interesse e dimostra senso di responsabilità.
2. Collabora con aziende e imprese, trattale come se fossero tuoi clienti, fai apprezzare loro il tuo talento e proponi loro le tue idee.
3. Possiede dedizione e spirito di squadra. Qualsiasi progetto viene realizzato grazie agli sforzi collettivi del team, utilizzando metodi tradizionali per ottenere i migliori risultati in termini di maestria artigianale.
4. I designer sono creatori d'arte e professionisti nel settore della moda. Si considerano superiori agli altri e all'azienda, adempiendo così alle loro responsabilità nei confronti della loro carriera e del loro lavoro. Sono animati da un fervente impegno nella loro professione e da uno spirito di innovazione e di esplorazione. Sebbene il lavoro sia impegnativo, trovano gioia anche nelle difficoltà e provano un'immensa felicità.
5. Possiede un forte senso della qualità del design e un'elevata efficienza lavorativa, caratterizzata da un lavoro “veloce, efficiente, diligente, economico ed esteticamente gradevole”.
6. Operare sempre sul mercato dal punto di vista dell'investitore. Il successo è l'unica opzione possibile; il fallimento non è un'opzione. Fornire alle aziende almeno un senso di sicurezza e ridurre il numero di rischi.
7. Sappiate come promuovere voi stessi; siate dei bravi venditori. Abbiate un piano e dati di mercato a sostegno dei vostri progetti. Siate eloquenti e comunicate spesso le vostre idee.
8. Possiede una comprensione accurata, una pianificazione completa e capacità di dimostrazione complete.
9. Comprendere il mercato dell'abbigliamento e le operazioni del marchio, e apprezzare i punti di forza del marchio. Imparare dai clienti, poiché rappresentano un determinato gruppo di consumatori; fidarsi del loro intuito e, sulla base delle loro opinioni, effettuare analisi, sintesi e valutazioni accurate.
10. È necessario possedere capacità di comprensione del mercato, osservazione, analisi, leadership e sviluppo (saper identificare i prodotti di tendenza, quelli che vendono bene e quelli che hanno un potenziale di ulteriore sviluppo), immergersi nel mercato, evitare di prendere decisioni a porte chiuse, raccogliere i frutti senza sforzo e astenersi da fantasie irrealistiche. È necessario possedere la capacità di lavorare in modo indipendente.

(Pianificazione → Controllo rigoroso → Decentralizzazione del lavoro → Raggiungimento degli obiettivi → Gestione complessiva dell'inventario)

11. Impara a creare storyboard (sfory bodies): per la comunicazione interna al team all'interno del reparto progettazione, per la collaborazione nel marketing, per le serie di designer (personal branding) e per le serie di marchi (market branding).
12. Il programma di progettazione è a breve termine, ad alta frequenza e altamente redditizio, e combina arte e praticità (ovvero, combina approcci accademici e di mercato).
13. Padroneggia le sei condizioni fondamentali della progettazione di abiti: Chi lo indossa? Quando lo indossa? Dove lo indossa? Cosa lo indossa? Perché lo indossa? Come lo indossa?
14. Lavora sodo, divertiti e goditi appieno l'apprendimento e la vita. All'avanguardia, appassionato, sicuro di sé, ottimista e giovane: in breve, un carattere eccellente è il requisito fondamentale per un designer di moda qualificato.

Pensiero finale

Come stilista di moda, oltre alle conoscenze e alle competenze sopra menzionate, c'è un altro fattore cruciale: il carattere del designer. In parole povere, “per essere un grande insegnante, bisogna prima essere una brava persona”. Più elegantemente, dovrebbe essere “possedere sia la virtù che il talento”. In questo caso, “mancare di carattere morale, essere disonesti, egoisti, preoccupati dei propri guadagni e perdite personali e privi di qualsiasi spirito di dedizione” significa che sarà difficile lavorare con diligenza, considerare gli altri e cooperare in modo efficace. Le imprese moderne sono organizzate come gruppi militarizzati e collaborativi; nessun singolo individuo può svolgere tutti i compiti di ogni reparto e mansione. Pertanto, i designer devono comprendere il proprio ruolo ed evitare di essere arroganti, prepotenti o condiscendenti.

La capacità di collaborare con gli altri, specialmente con chi è più capace di noi, è spesso un fattore chiave per il successo di un designer. La chiave del successo risiede nella capacità di gestire efficacemente le relazioni interpersonali. Come dice il proverbio, “un eroe ha bisogno di tre aiutanti”, e il fascino dello stile attira un folto gruppo di persone motivate e dedite al proprio lavoro. Attualmente, la stabilità politica, la prosperità economica e lo sviluppo dell'industria dell'abbigliamento offrono ai nostri designer un ambiente favorevole e un'opportunità storica per mostrare il loro talento. Tuttavia, il successo, in una certa misura, dipende dalla padronanza del “fattore umano”. In termini moderni, “fattore umano” significa essere in grado di gestire bene le relazioni interpersonali sul lavoro, cooperare in modo efficace, riconoscere i punti di forza degli altri, essere tolleranti e sapere come utilizzare il talento.

Inoltre, quando si compete con i propri pari sul mercato, è necessario essere corretti e onesti, senza mai cercare di elevarsi a scapito degli altri. Le usanze obsolete della vecchia economia agricola, come lo “scontro tra studiosi” e il “concorrenti sono nemici”, non sono ciò di cui la nostra epoca ha bisogno.