Não é fácil tornar-se um bom designer de moda. É necessário não só um certo nível de talento, mas também compreender métodos de aprendizagem eficazes e estar disposto a trabalhar arduamente para alcançar o sucesso.

Importância de recolher e organizar materiais profissionais e vários tipos de informação

Embora o método de design de roupas recicladas seja prático, de uma perspectiva mais ampla, é difícil escapar da influência das ideias alheias e alcançar a verdadeira inovação e transcendência. Portanto, precisamos obter mais informações além da nossa área profissional, como as conquistas do desenvolvimento tecnológico, as tendências culturais, as obras de arte de vários géneros e as tendências e conceitos ideológicos refletidos na literatura, na filosofia e na música. Isso ampliará o nosso conhecimento, aumentará os nossos horizontes e nos permitirá aprender com os outros, ganhando mais inspiração e gerando ideias melhores.

Aprender e melhorar através da imitação

A imitação é uma característica inerente a todas as formas de vida superiores. Um psicólogo americano afirmou certa vez que a imitação, como um dos padrões do comportamento humano, é resultado da aprendizagem. Do ponto de vista do comportamento em si, usar a imitação no processo de aprendizagem deve ser considerado uma forma de plágio, o oposto da criação; não demonstra quão boas são as habilidades ou capacidades de alguém. No entanto, deve-se reconhecer que muitas invenções ou criações bem-sucedidas começam com a imitação, e a imitação deve ser vista como um método de aprendizagem muito bom.

Melhorar continuamente as nossas capacidades estéticas e estabelecer os nossos próprios valores estéticos

A capacidade estética, também conhecida como “apreciação estética”, refere-se à capacidade das pessoas de reconhecer e avaliar a beleza, as coisas belas e várias características estéticas. Por outras palavras, abrange a sensibilidade, o julgamento, a imaginação e a criatividade necessários para que as pessoas analisem e avaliem esteticamente várias coisas e fenómenos na natureza e na vida social. Para os designers, cultivar e melhorar a capacidade estética é crucial. Aqueles com forte capacidade estética podem descobrir rapidamente a beleza, capturar os elementos essenciais escondidos nas profundezas dos objetos estéticos e elevar a sua percepção sensorial à compreensão racional. Só assim podem criar e projetar beleza. Confiar apenas na inspiração momentânea, sem o cultivo do refinamento artístico adquirido, torna difícil desenvolver um talento e uma profundidade extraordinários.

Tornar-se mais sensível o mais rápido possível

A inspiração inicial e as pistas para o design muitas vezes vêm de todos os aspetos da vida. Algumas coisas podem parecer comuns ou insignificantes, mas podem conter muitos aspetos brilhantes. Se os designers não perceberem isso e não descobrirem a sua existência, não serão capazes de capturá-los e utilizá-los a tempo. Nesse caso, muitos materiais de design úteis serão perdidos.

Tornar-se elegante o mais rápido possível

Embora as coisas que estão na moda nem sempre sejam boas ou bonitas, os designers devem ter uma mente aberta e não ter preconceitos contra novas ideias e fenómenos. Devem aprender a colocar-se no lugar dos outros, aceitá-los e pensar sobre eles. Só assim os seus designs poderão acompanhar os tempos e até mesmo liderar as tendências da moda.

Criar ativamente oportunidades para praticar

O design de moda é uma disciplina altamente prática. Somente através da prática contínua é possível compreender verdadeiramente as roupas, ganhar mais experiência direta e criar designs realmente bons e úteis.

Aprenda a comunicar, trocar ideias e cooperar com os outros

Como designer, é essencial cultivar um espírito de equipa e aprender a comunicar, trocar ideias e colaborar com os outros. Essas competências precisam ser desenvolvidas e cultivadas durante os estudos e devem se tornar um hábito, pois serão muito benéficas para o trabalho futuro.

1. Comece por aprender a desenhar o corpo humano para se familiarizar com ele.
2. Depois de aprender a desenhar figuras, aprenda as relações básicas entre as cores.
3. Comece a aprender alguns conhecimentos básicos de design de moda, começando com o desenho de esboços de padrões.
4. Após o aprendizado acima, você basicamente dominou o corpo humano, as cores e os estilos. A seguir, aprenderemos sobre o efeito das roupas no corpo humano.
5. Recomendo os dois livros, “Classic American Fashion Illustration Techniques” (Edições Básica e Avançada). Ao praticar de acordo com as lições dos livros, acredito que, com o seu próprio esforço, você certamente será capaz de desenhar ilustrações de moda com proficiência.
6. Aprenda algumas técnicas de modelagem para garantir que compreende o processo de fabricação das peças de vestuário que desenha.

Como se tornar um bom designer de moda:

Primeiro: Eles têm um alto nível de especialização em vestuário e um senso apurado das tendências da moda!

Segundo: Atende à procura do mercado e tem uma elevada quota de mercado!

Terceiro: Um bom designer consegue concluir de forma independente todo o processo, desde o design criativo até à modelagem e produção da peça de vestuário acabada!

Quarto: Familiarize-se com os tecidos e aprenda a combiná-los de diferentes maneiras!

Para ser um designer de moda, é preciso, em primeiro lugar, amar a arte e compreender as tendências e, em segundo lugar, possuir profundos conhecimentos artísticos e sólidas habilidades de desenho. Além disso, é preciso ter um ideal: criar o seu próprio mundo artístico único, na esperança de realizar os seus sonhos e ousar ser um pioneiro na moda. É preciso ser um explorador da moda e um criador de tendências, com uma profunda paixão por roupas e uma apreciação única por tecidos e acessórios comuns.

Então, quais habilidades e conhecimentos um designer de moda deve possuir? Alguns acreditam que o design de moda é simples: basta folhear revistas, encontrar uma gola aqui, uma manga ali e juntá-las — só isso. Outros acham que, desde que se saiba fazer roupas, pode-se ser designer de moda. Outros ainda acreditam que, desde que se saiba desenhar ilustrações de moda, pode-se ser designer. Na realidade, o primeiro tipo de “estilista” muitas vezes cria uma miscelânea de peças de roupa sem relação entre si; o segundo tipo é frequentemente limitado por suas habilidades de confecção restritas e incapaz de se adaptar às demandas do mercado em rápida evolução; o terceiro tipo só sabe desenhar, mas como não entende como realmente confeccionar as peças, a maioria de seus desenhos é irrealizável. Claramente, todos os três pontos de vista são um tanto tendenciosos.

O design de moda requer referências frequentes aos trabalhos bem-sucedidos dos antecessores, inspirando-se e alimentando-se de peças excelentes, mas isso não é absolutamente o mesmo que simplesmente juntar ou copiar. As técnicas de corte e costura são fundamentos cruciais do design de moda e meios importantes para expressar a intenção do design, mas dominar o corte e a costura não equivale a dominar o design, assim como tocar piano não equivale a compor, ou construir uma parede não equivale a projetar arquitetura. Ser capaz de desenhar ilustrações de moda é apenas adquirir uma ferramenta para expressar a intenção do design. Como pode ser visto no processo de design de moda acima, desenhar esboços de design é apenas o início do processo de design. Aqueles que não entendem como realizar a sua intenção de design e apenas se envolvem em “discussões teóricas” não sobreviverão na feroz concorrência do mercado. Na verdade, “designers” que só sabem desenhar ilustrações de moda não conseguem encontrar trabalho hoje em dia.

Dicas práticas para designers de moda

Muitos designers frequentemente enfrentam dificuldades para se adaptar a novos ambientes durante alguns anos após a formatura, sentindo que nada corre bem e acreditando que os seus talentos não estão a ser utilizados.

Muitos designers, quando começam, podem procurar em todos os lugares por diretrizes de design ou seguir cegamente tendências e princípios, e isso muitas vezes evita erros. No entanto, à medida que a experiência aumenta, você gradualmente perceberá que simplesmente aplicar mecanicamente as diretrizes sem incorporar o seu próprio pensamento tornará difícil alcançar avanços.

Além disso, o mau design e os maus hábitos de trabalho têm prejudicado constantemente o meu crescimento e aperfeiçoamento.

Compilei 7 sugestões sinceras para designers, para ajudá-lo a superar as suas limitações na sua jornada de design.

Eu, enfatizo a acumulação

Os designers, especialmente os designers de moda, estão basicamente envolvidos em tudo. Desde que esteja relacionado com estética, arte ou mesmo com a vida, se tivermos conhecimento suficiente, podemos rapidamente criar conteúdo adequado ao planear um projeto ou conceber um tema, modelá-lo rapidamente nas nossas mentes e, em seguida, transformá-lo e integrá-lo.

Às vezes, a falta de ideias decorre da falta de conhecimento e compreensão. Quando chega a hora de trabalhar, você não sabe por onde começar — ”nem mesmo um cozinheiro experiente consegue preparar uma refeição sem arroz”.”

Neste momento, você precisa buscar inspiração e pistas em todos os aspectos e integrar o que ouve, vê e sabe sem limites. .

Para ser sincero, isso não é algo que se consegue de uma só vez, combinando elementos como linhas, cores, tecidos, detalhes e habilidade artesanal; requer uma acumulação gradual e um processo de desenvolvimento progressivo.

Se acumulou conhecimento suficiente, após expandir até certo ponto, deve começar a tentar fazer conexões abstratas ou subtrações. Nesse ponto, precisará da sua lógica de design subjacente e do seu pensamento estruturado.

— Como fazer isso?

1. Estudar, imitar e analisar designs excelentes ajuda os designers a acumular materiais de design e informações relacionadas;
2. Crie a sua própria biblioteca de recursos. Sejam imagens, textos ou vídeos, estas são as melhores fontes de recursos para o seu próprio desenvolvimento e ideias.
3. Após a conclusão de um projeto trimestral ou de uma série de projetos de desenvolvimento, é necessário resumir, analisar e acompanhar os resultados de vendas para preparar o próximo projeto e estabelecer as bases para melhorar as próprias capacidades.

II, Enfatizar a comunicação

Vamos analisar primeiro um cenário:

O diretor deu uma peça de roupa de amostra ao designer A e disse para usá-la como referência para criar três variações.

O designer A trabalhou horas extras para concluir o rascunho do projeto e o entregou ao diretor para revisão no dia seguinte. O diretor disse que o estilo estendido não estava correto, e o rascunho do projeto foi devolvido para ser refeito.

Trabalhar horas extras e se esforçar tanto, apenas para ter o seu manuscrito rejeitado no final — isso não é incrivelmente frustrante e desanimador?

Da mesma forma, existem problemas de comunicação entre assistentes de design e designers, e entre diretores e chefes.

“Não é isto que eu quero.”

“Não tenho exigências, você está livre para fazer o que quiser.”

“Também não sei que tipo quero. Porque não fazes um primeiro?”

O diálogo acima pode parecer familiar, mas tais situações indicam uma falta de comunicação genuína.

Não acredite em ninguém que diga que não há requisitos. Quando terminar, os requisitos irão acumular-se repentinamente e ser-lhe-á pedido que faça todo o tipo de alterações.

Portanto, comunique-se mais com os outros antes de fazer qualquer coisa. Se eles não tiverem nenhum requisito, oriente-os a expressá-los. Depois de descobrir os requisitos principais, mostre-lhes uma imagem de referência ou algo semelhante para confirmar se isso corresponde ao seu entendimento.

Por exemplo:

O gerente disse que o nosso estilo deve tender para a feminilidade. Ok, qual é a sua compreensão de feminilidade? Que tipo de feminilidade? Posso mostrar-lhe mais de cinco fotos de diferentes estilos de feminilidade. A qual delas está a referir-se?

Por exemplo, conhece alguma marca com um estilo que gosta? Ou pode pesquisar online os estilos que gosta e enviá-los para mim. Sem texto, apenas imagens — imagens que transmitam com precisão o que pretende.

Faça o máximo de perguntas possível e comunique-se mais. Não tenha medo de incomodar a outra pessoa. As pessoas que fazem as coisas bem geralmente são um pouco irritantes.

III, Não preste muita atenção aos detalhes

Reconheço que os detalhes são importantes. Quando se tem tempo e recursos para lidar com esses pequenos detalhes, deve-se fazê-lo bem.

No entanto, vejo frequentemente equipas ou designers que, ignorando as questões principais, se preocupam excessivamente com detalhes menores. É como se as barras de aço da casa estivessem tortas, mas ainda assim continuássemos a pensar em que cor pintar as paredes.

Portanto, os detalhes em si não estão errados; o erro está em ignorar o panorama geral e mergulhar diretamente nos detalhes.

Por exemplo:

Ao desenhar uma renderização, deve primeiro determinar as proporções, depois a dinâmica e, por fim, a estrutura. Só depois de fazer bem essas três coisas é que pode trabalhar nas roupas, nos detalhes e nas linhas. O segredo é comparar as relações entre as diferentes partes e ampliar a imagem para ver se o design geral está harmonioso.

Ao desenhar um esboço de projeto, deve primeiro determinar o contorno, depois as proporções e divisões e, por fim, a estrutura. Por último, deve considerar as técnicas, os detalhes e o traçado das linhas.

Primeiro, determine o posicionamento geral, o estilo e o público-alvo do produto antes de começar a projetar, procurar imagens e desenhar. Não se apresse em produzir imagens, decorações ou roupas.

Ao fazer o planeamento do design, seguir a lógica de volume, plano, linha e ponto, e proceder na ordem de círculos grandes que abrangem círculos menores, evitará o caos e a falta de rumo. Também evitará que aperfeiçoe os detalhes apenas para descobrir que todo o projeto precisa ser descartado no final.

Como designer de moda, é essencial encontrar um equilíbrio entre eficácia e eficiência.

Não há necessidade de se prender a detalhes desnecessários todas as vezes. Você deve controlar o seu próprio ritmo. Você sabe ser meticuloso, mas também deve saber como se preocupar menos com ninharias e produzir resultados rapidamente. .

Você também deve entender que optar por ignorar algumas falhas que você pode aceitar temporariamente e conservar sua energia para resolver problemas mais urgentes tornará seu trabalho mais eficaz. Isso também ajudará você a desenvolver sua capacidade de controlar o progresso do projeto.

IV, Preste atenção à flexibilidade

Exemplos reais:

Dois designers impressionaram-me particularmente; um era muito experiente e o outro era ainda mais criativo. O criativo, em particular, produzia coisas com uma rapidez excepcional.

A pessoa experiente é mais racional no design. Ela terá 7 a 8 alternativas e consultará outros colegas. Devido à sua experiência, ela costuma ser mais indecisa e sempre quer alcançar a perfeição. Ela prestará muita atenção até mesmo aos menores problemas.

Com o tempo, as ideias de design do designer experiente tornaram-se cada vez mais limitadas e ele produziu cada vez menos. Entretanto, outro designer, devido à acumulação gradual de experiência e forte pensamento criativo, gradualmente deixou o “veterano” para trás.

Não é que ser racional e cauteloso seja um mau hábito, mas sim que o segredo está em saber quando ser racional e cauteloso.

A área do design comercial exige que sejamos altamente inclusivos e precisamos ser bons em ajustar o nosso pensamento.

Se não tiver nenhuma ideia melhor no momento, tente largar o trabalho, fazer uma pausa ou fazer outra coisa para dar um descanso ao seu cérebro.

Afinal, ser designer não é como ser operário de fábrica, onde trabalhar mais não significa necessariamente obter mais benefícios.

Dentro dos limites do progresso do trabalho, deve ser capaz de alternar tarefas em tempo útil, ou simplesmente não trabalhar, e evitar ficar preso a uma única tarefa.

Pessoas com um forte senso de propósito sabem como organizar o seu trabalho.

V. Não siga cegamente as regras de design

A razão para a procrastinação e a teimosia é, na verdade, que estamos demasiado focados em saber se estamos a cumprir as regras.

Em primeiro lugar, é importante compreender que usar regras não significa usá-las cegamente.

Não sei se é porque não gosto de seguir as regras, mas quando alguém me diz uma regra, não consigo evitar questioná-la ou tentar quebrá-la.

Porque estou mais habituado a resumir regras com base na minha própria experiência prática.

É claro que nem sempre fui assim. Quando estava na faculdade e comecei a trabalhar, eu sinceramente projetava de acordo com as regras.

Por exemplo, aprendi muitos dos chamados “princípios do design de vestuário”:

Princípios do Design de Moda

Princípio da Unidade

Unidade e harmonia têm significados semelhantes. No design de moda, a unidade é frequentemente alcançada através da coordenação de elementos e técnicas. Num bom design, a disposição das diferentes partes de uma peça de vestuário, bem como a relação entre as partes e o todo — tais como materiais, cores e linhas — devem ser consistentes. Se estes elementos variarem demasiado, o design perderá coerência. A repetição é a forma mais comum de alcançar a unidade. Por exemplo, usar repetidamente as mesmas cores ou linhas pode criar um estilo distinto.

Princípio da ênfase

Ênfase (também conhecida como destaque ou design de ponto focal). Embora a unidade seja importante no design, a unidade excessiva pode resultar em monotonia. A abordagem mais eficaz é destacar uma determinada parte distinta para criar um foco visual. A ênfase pode ser alcançada através do contraste de cores (como usar detalhes em vermelho numa roupa de cor escura), contraste de materiais (por exemplo, combinar pele de coelho com tecido de lã), disposição das linhas (como detalhes em branco nas golas ou punhos), detalhes de corte (como capas ou designs com corte princesa) e o uso de acessórios (como lenços de seda ou colares metálicos). No entanto, a ênfase deve ser usada seletivamente — muitos pontos focais enfraquecerão o efeito. A área enfatizada não deve ser excessiva e deve ser colocada na parte mais esteticamente agradável do corpo para servir como centro visual.

Princípio do Equilíbrio

O equilíbrio confere às roupas uma sensação de estabilidade e tranquilidade e é um princípio fundamental do bom design. O equilíbrio pode ser dividido em equilíbrio simétrico e equilíbrio assimétrico.
O equilíbrio simétrico usa a linha central do corpo humano como eixo, com os lados esquerdo e direito sendo exatamente iguais. Esse tipo de design cria uma sensação de dignidade e formalidade, mas pode parecer um pouco rígido.
O equilíbrio assimétrico concentra-se no equilíbrio visual. Embora os lados esquerdo e direito sejam diferentes em termos de design, ainda assim parecem equilibrados. Isto é frequentemente conseguido através de designs diagonais (como bainhas diagonais), dando uma impressão mais viva e suave. Além disso, deve-se prestar atenção ao equilíbrio entre as partes superior e inferior da peça de roupa, evitando uma aparência pesada na parte superior ou inferior.

Princípio da Proporção

A proporção refere-se à distribuição dos tamanhos entre as diferentes partes da roupa. Uma proporção adequada cria um efeito visual harmonioso. Por exemplo, a relação entre o decote e o tamanho da gola, bem como as proporções estéticas das peças de vestuário, devem ser adequadas. A “proporção áurea” é frequentemente aplicada no design de moda. Além disso, as proporções dos acessórios e elementos decorativos também devem ser cuidadosamente consideradas.

Princípio do Ritmo

O ritmo refere-se a elementos repetidos que criam uma sensação de movimento e continuidade. Exemplos incluem repetição rítmica através de gradientes de cor, variações na forma e tamanho, linhas repetidas, padrões de cor recorrentes e detalhes decorativos, como folhos ou pregas. Estas técnicas são comumente usadas no design para criar ritmo visual.

Naquela altura, eu não sabia que havia regras melhores e era muito jovem para ter experimentado problemas ao usar essas regras.

No entanto, à medida que a sua experiência e conhecimento crescem, você perceberá que algumas regras estão simplesmente a ajudar-nos a ser preguiçosos até certo ponto.

No entanto, não estou a dizer que não existem boas regras e lógica no design, ou que as regras não precisam ser seguidas. Estou apenas a sugerir que não se apliquem regras cegamente.

Antes de usar quaisquer regras de design, é necessário considerar se é razoável aplicá-las neste caso.

VI, Não confie cegamente nas tendências

A maior desvantagem de confiar cegamente nas tendências é que isso leva à homogeneização do design.

O mercado doméstico de vestuário, especialmente o mercado de roupa feminina, encontra-se há muito tempo num período de estagnação. Nos últimos anos, o ambiente de mercado tem estado lento e algumas empresas reduziram o seu investimento no desenvolvimento de vestuário, ou mesmo passaram a seguir diretamente as tendências da moda e abandonaram o design independente.

Diante dessa realidade, para economizar custos e atingir metas de desempenho, a maioria dos designers (incluindo designers de marca) opte por cortar os designs dos produtos mais vendidos em diferentes dimensões e, em seguida, combine-os para criar novos designs.

É justo dizer que o design doméstico sofre de uma homogeneização severa. Sejam silhuetas ou a seleção de elementos da moda, os designs muitas vezes parecem completamente diferentes. A verdade é que as preferências estéticas chinesas diferem significativamente das europeias e americanas; enfatizar excessivamente a imitação só resulta em imitações de má qualidade.

Pelo que sei, muitas empresas de marca já estão a refletir sobre esta questão.

Como há tendências diferentes a cada ano, pode visitar várias plataformas ou mercados, ou até mesmo assistir a lançamentos internacionais de produtos. Mas, depois de analisar tudo isso, ainda pode não conseguir chegar a nenhuma conclusão. Isso porque o escopo é muito amplo e, mesmo que consiga chegar à conclusão correta, a sua análise muitas vezes será imprecisa, levando a um esforço desperdiçado e resultados mínimos.

Do ponto de vista de um designer, eles falam constantemente sobre o que está na moda hoje e o que estará na moda amanhã, o que está em alta no Instagram hoje e qual blogueiro estará na moda amanhã. Mas, na prática, muitas vezes eles ficam aquém. Ou os seus designs não podem ser traduzidos em estilos práticos e comercializáveis, ou os produtos não têm um bom desempenho após entrarem no mercado.

Então, se não seguirmos cegamente a tendência, o que podemos fazer?

Sugestão:

Não há necessidade de seguir cegamente as tendências. É preciso saber o que deixar para trás, descobrir quem você é e aprender a construir a sua própria competitividade.

Quanto às tendências populares, elas certamente têm as suas razões para existir, ou melhor, um certo grau de racionalidade. Mas o que realmente precisa de entender é que a sua escolha não se baseia em seguir a tendência simplesmente porque todos os outros a estão a usar.

VII, Saia da sua zona de conforto quando necessário

Qualquer trabalho, com base na familiaridade, pode ser dividido em “zona de conforto”, “zona de treino” e “zona de desafio” (conforme mostrado abaixo):

A “zona de conforto” é óbvia. Não precisa usar ferramentas de lógica de design nem sequer pensar. Basta trabalhar com base nos seus sentimentos. Permanecer nesta zona é o mais confortável. No entanto, o seu trabalho geralmente consiste em repetir a mesma coisa várias vezes, o que não ajuda em nada no crescimento das suas capacidades.

Por exemplo:

“Este estilo e tecido parecem muito bons, e a cor também parece adequada. Porque não experimentamos?”

A “área de formação” será mais desafiante e poderá melhorar significativamente a sua consciência em relação ao design.

Neste ponto, precisa transformar esses “sentimentos” aparentemente grandes e vagos em ferramentas quantificáveis próprias.

Por exemplo:

Analisamos cinco dimensões, cada uma correspondendo às características do tecido. Em seguida, analisamos ainda mais vários aspetos, como a estação do ano e a sensação, para encontrar a melhor combinação de tecido e estilo.

Se conseguir navegar pela “zona de desafios” com facilidade, então dominou totalmente como aplicar o pensamento que aprendeu, colocou verdadeiramente o pensamento estruturado em prática e tornou-o parte das suas habilidades.

Por exemplo:

Resuma a mentalidade de criação de ingredientes, depois volte ao nível de aplicação e coloque a mentalidade decomposta em prática no trabalho real.

Zona de conforto

Sentimento intuitivo
Escolher este tecido para este estilo parece adequado.,
A cor parece boa, talvez devêssemos experimentar primeiro?
Combine os tecidos diretamente com base na sensação.

Zona de Treino

Análise desconstrutiva
Desconstruir a partir de cinco dimensões,
cada dimensão correspondendo às características deste tecido.
Então, a partir de vários aspetos, como a estação do ano e a sensação,
decompõe-no ainda mais para derivar o método de combinação do tecido

Zona de Desafios

Aplicação sistemática
Resuma o raciocínio por trás da seleção de materiais,
em seguida, retorne ao nível da aplicação,
e aplicar o pensamento desconstruído ao trabalho prático de combinar estilos com tecidos.

Não há nada de errado com o conceito de “zona de conforto”. O problema está em permanecer na nossa zona de conforto por muito tempo.

Trabalhar na sua zona de conforto geralmente envolve repetir as mesmas tarefas várias vezes, e isso não ajuda em nada no desenvolvimento das suas competências.

Portanto, devemos passar gradualmente da nossa “zona de conforto” para a nossa “zona de treino”.

Depois de dominar as habilidades na “zona de treino”, siga para a “zona de desafio”, que é completamente desconhecida.”

Comportamento dos designers: eles sabem como trabalhar, como aprender e como viver.

O desenvolvimento de competências profissionais é essencialmente um processo como este.

1. Seja proativo e totalmente comprometido com o seu trabalho, demonstre forte interesse e incorpore um senso de propriedade.
2. Faça parcerias com empresas e empreendimentos, trate-os como seus clientes, deixe que eles apreciem o seu talento e recomende os seus conceitos a eles.
3. Possui dedicação e espírito de equipa. Qualquer projeto é realizado através dos esforços coletivos da equipa, utilizando métodos comuns para alcançar os melhores resultados em termos de habilidade técnica.
4. Os designers são criadores de arte e também profissionais da indústria da moda. Eles se consideram superiores aos outros e à empresa, cumprindo assim as suas responsabilidades com a carreira e o trabalho. Possuem uma busca fervorosa pela profissão e um espírito de inovação e exploração. Embora o trabalho seja exigente, eles encontram alegria mesmo nas dificuldades e experimentam uma felicidade imensa.
5. Possui um forte senso de qualidade de design e alta eficiência no trabalho, caracterizado por um trabalho “rápido, eficiente, diligente, económico e esteticamente agradável”.
6. Opere sempre o mercado da perspectiva do investidor. O sucesso é a única opção; o fracasso não é uma opção. Proporcione às empresas pelo menos uma sensação de segurança e reduza o número de riscos.
7. Saiba como se promover; seja um bom vendedor. Tenha um plano e dados de mercado para apoiar os seus projetos. Seja articulado e comunique as suas ideias com frequência.
8. Possui compreensão precisa, planeamento abrangente e capacidades de demonstração completas.
9. Compreenda o mercado do vestuário e as operações da marca, e aprecie os pontos fortes da marca. Aprenda com os clientes, pois eles representam um determinado grupo de consumidores; confie na sua intuição e, com base nas suas opiniões, faça análises, resumos e julgamentos precisos.
10. É necessário ter compreensão do mercado, capacidade de observação, análise, liderança e desenvolvimento (saber identificar produtos em alta, que vendem bem e que têm potencial para desenvolvimento futuro), mergulhar no mercado, evitar tomar decisões a portas fechadas, colher os benefícios sem esforço e abster-se de fantasias irrealistas. É necessário possuir a capacidade de trabalhar de forma independente.

(Planejado → Controlo rigoroso → Descentralização do trabalho → Alcance das metas → Gestão geral do inventário)

11. Aprenda a criar storyboards (cenários): para comunicação interna da equipa dentro do departamento de design, para colaboração de marketing, para séries de designers (marca pessoal) e para séries de marcas (marca de mercado).
12. O esquema de design é de curto prazo, alta frequência e altamente lucrativo, combinando arte e praticidade (ou seja, combinando abordagens académicas e de mercado).
13. Domine as seis condições básicas do design de roupas: Quem usa? Quando usa? Onde usa? O que usa? Por que usar? Como usar?
14. Trabalhe duro, divirta-se e aproveite ao máximo o aprendizado e a vida. Vanguardista, apaixonado, confiante, otimista e jovem — em suma, um caráter excelente é o principal requisito para um designer de moda qualificado.

Pensamento final

Como designer de moda, além dos conhecimentos e competências acima mencionados, há outro fator crucial: o caráter do designer. Em termos simples, “para ser um ótimo professor, primeiro seja uma boa pessoa”. De forma mais elegante, deveria ser “possuir virtude e talento”. Aqui, “carecer de caráter moral, ser desonesto, egoísta, preocupado com ganhos e perdas pessoais e carecer de qualquer espírito de dedicação” significa que será difícil trabalhar diligentemente, considerar os outros e cooperar de forma eficaz. As empresas modernas são organizadas como grupos militarizados e colaborativos; nenhum indivíduo pode realizar todas as tarefas de todos os departamentos e funções. Portanto, os designers devem compreender o seu lugar e evitar ser arrogantes, dominadores ou condescendentes.

A capacidade de cooperar com outras pessoas, especialmente aquelas mais capazes do que nós, é frequentemente um fator-chave para o sucesso de um designer. A chave para o sucesso reside na capacidade de gerir eficazmente as relações interpessoais. Como diz o ditado, “um herói precisa de três ajudantes”, e o fascínio do estilo atrai um grande grupo de indivíduos dispostos e dedicados. Atualmente, a estabilidade política, a prosperidade económica e o desenvolvimento da indústria do vestuário proporcionam aos nossos designers um ambiente favorável e uma oportunidade histórica para mostrar os seus talentos. No entanto, o sucesso, até certo ponto, depende do domínio do “elemento humano”. Em termos modernos, “elemento humano” significa ser capaz de lidar bem com as relações interpessoais no trabalho, cooperar eficazmente, reconhecer os pontos fortes dos outros, ser tolerante e saber como utilizar o talento.

Além disso, ao competir com os pares no mercado, é preciso ser íntegro e honesto, e nunca tentar se elevar prejudicando os outros. Os costumes ultrapassados da antiga economia agrária, como “conflitos entre estudiosos” e “concorrentes são inimigos”, não são o que a nossa era precisa.