No es fácil convertirse en un buen diseñador de moda. No solo se requiere un cierto nivel de talento, sino también comprender los métodos de aprendizaje eficaces y estar dispuesto a trabajar duro para alcanzar el éxito.

Importancia de recopilar y organizar materiales profesionales y diversos tipos de información.

Si bien el método de diseño de la ropa reciclada es práctico, desde una perspectiva más amplia, es difícil escapar a la influencia de las ideas ajenas y lograr una verdadera innovación y trascendencia. Por lo tanto, necesitamos obtener más información más allá de nuestro campo profesional, como los logros del desarrollo tecnológico, las tendencias culturales, las obras de arte de diversos géneros y las tendencias y conceptos ideológicos reflejados en la literatura, la filosofía y la música. Esto ampliará nuestros conocimientos, aumentará nuestros horizontes y nos permitirá aprender de los demás, obteniendo más inspiración y generando mejores ideas.

Aprender y mejorar a través de la imitación

La imitación es una característica inherente que comparten todas las formas de vida superiores. Un psicólogo estadounidense afirmó una vez que la imitación, como uno de los patrones del comportamiento humano, es el resultado del aprendizaje. Desde la perspectiva del comportamiento en sí, el uso de la imitación en el proceso de aprendizaje debería considerarse una forma de plagio, lo contrario de la creación; no demuestra lo buenas que son las habilidades o capacidades de una persona. Sin embargo, hay que reconocer que muchos inventos o creaciones exitosas comienzan con la imitación, y que la imitación debe considerarse un método de aprendizaje muy bueno.

Mejorar continuamente nuestras habilidades estéticas y establecer nuestros propios valores estéticos.

La capacidad estética, también conocida como “apreciación estética”, se refiere a la capacidad de las personas para reconocer y evaluar la belleza, las cosas bellas y diversas características estéticas. En otras palabras, abarca la sensibilidad, el juicio, la imaginación y la creatividad necesarios para que las personas analicen y evalúen estéticamente diversas cosas y fenómenos de la naturaleza y la vida social. Para los diseñadores, cultivar y mejorar la capacidad estética es fundamental. Aquellos con una gran capacidad estética pueden descubrir rápidamente la belleza, captar los elementos esenciales ocultos en lo más profundo de los objetos estéticos y elevar su percepción sensorial a una comprensión racional. Solo así pueden crear y diseñar belleza. Depender únicamente de la inspiración momentánea sin cultivar el refinamiento artístico adquirido dificulta el desarrollo de un talento y una profundidad extraordinarios.

Hazte más sensible lo antes posible.

La inspiración inicial y las pistas para el diseño suelen provenir de todos los aspectos de la vida. Algunas cosas pueden parecer ordinarias o insignificantes, pero pueden contener muchos aspectos brillantes. Si los diseñadores no se dan cuenta de ello y no descubren su existencia, no podrán captarlos y utilizarlos a tiempo. En ese caso, se perderán muchos materiales de diseño útiles.

Ponerse a la moda lo antes posible.

Aunque las cosas que están de moda no siempre son buenas o bonitas, los diseñadores deben tener una mente abierta y no tener prejuicios contra las nuevas ideas y fenómenos. Deben aprender a ponerse en el lugar de los demás, aceptarlos y pensar en ellos. Solo así sus diseños podrán mantenerse al día e incluso marcar las tendencias de la moda.

Crear activamente oportunidades para practicar.

El diseño de moda es una disciplina muy práctica. Solo a través de la práctica continua se puede comprender verdaderamente la ropa, adquirir una experiencia más directa y crear diseños realmente buenos y útiles.

Aprende a comunicarte, intercambiar ideas y cooperar con los demás.

Como diseñador, es esencial cultivar el espíritu de equipo y aprender a comunicarse, intercambiar ideas y colaborar con los demás. Estas habilidades deben desarrollarse y cultivarse durante los estudios, y deben convertirse en un hábito, ya que serán muy beneficiosas para el trabajo futuro.

1. Empieza por aprender a dibujar el cuerpo humano para familiarizarte con él.
2. Después de aprender a dibujar figuras, aprende las relaciones básicas entre los colores.
3. Empieza a aprender algunos conocimientos básicos sobre diseño de moda, comenzando por dibujar bocetos de patrones.
4. Después de lo aprendido anteriormente, básicamente ya dominas el cuerpo humano, el color y el estilo. A continuación, aprenderemos sobre el efecto de la ropa en el cuerpo humano.
5. Recomiendo los dos libros “Técnicas clásicas de ilustración de moda estadounidense” (ediciones básica y avanzada). Si practicas siguiendo las lecciones de los libros, creo que con tu propio esfuerzo podrás dibujar ilustraciones de moda con soltura.
6. Aprende algunas técnicas de patronaje para asegurarte de que comprendes el proceso de fabricación de las prendas que diseñas.

Cómo convertirse en un buen diseñador de moda:

Primero: ¡Tienen un alto nivel de experiencia en ropa y un agudo sentido de las tendencias de la moda!

Segundo: ¡Satisface la demanda del mercado y tiene una alta cuota de mercado!

Tercero: ¡Un buen diseñador puede completar de forma independiente todo el proceso, desde el diseño creativo hasta la creación de patrones y la producción de la prenda terminada!

Cuarto: ¡Familiarízate con los tejidos y aprende a combinarlos y maridarlos de diferentes maneras!

Para ser diseñador de moda, primero hay que amar el arte y comprender las tendencias, y en segundo lugar, poseer profundos conocimientos artísticos y sólidas habilidades de dibujo. Además, hay que tener un ideal: crear un mundo artístico propio y único, con la esperanza de hacer realidad los sueños y atreviéndose a ser pionero en la moda. Hay que ser un explorador de la moda y un creador de tendencias, con una profunda pasión por la ropa y una apreciación única de los tejidos y accesorios comunes.

Entonces, ¿qué habilidades y conocimientos debe poseer un diseñador de moda? Algunos creen que el diseño de moda es sencillo: basta con hojear revistas, encontrar un cuello aquí, una manga allá, y juntarlos, eso es todo. Otros piensan que, siempre que se sepa confeccionar ropa, se puede ser diseñador de moda. Otros creen que, siempre que se sepa dibujar ilustraciones de moda, se puede ser diseñador. En realidad, el primer tipo de “diseñador” suele crear una mezcolanza de prendas inconexas; el segundo tipo suele verse limitado por sus escasas habilidades de confección y es incapaz de adaptarse a las demandas del mercado, en rápida evolución; el tercer tipo solo sabe dibujar, pero como no entiende cómo confeccionar las prendas, la mayoría de sus dibujos son irrealizables. Es evidente que los tres puntos de vista son algo sesgados.

El diseño de moda requiere consultar con frecuencia los trabajos exitosos de los predecesores, inspirándose y nutriéndose de piezas excelentes, pero esto no es en absoluto lo mismo que simplemente juntar piezas o copiar. Las técnicas de corte y costura son fundamentos cruciales del diseño de moda y medios importantes para expresar la intención del diseño, pero dominar el corte y la costura no equivale a dominar el diseño, del mismo modo que tocar el piano no equivale a componer, o construir una pared no equivale a diseñar arquitectura. Ser capaz de dibujar ilustraciones de moda es simplemente adquirir una herramienta para expresar la intención del diseño. Como se puede ver en el proceso de diseño de moda anterior, dibujar bocetos de diseño es solo el comienzo del proceso de diseño. Aquellos que no entienden cómo realizar su intención de diseño y solo se dedican a “discusiones teóricas” no sobrevivirán en la feroz competencia del mercado. De hecho, los “diseñadores” que solo saben dibujar ilustraciones de moda no encuentran trabajo hoy en día.

Consejos prácticos para diseñadores de moda

Muchos diseñadores suelen tener dificultades para adaptarse a nuevos entornos durante los primeros años tras graduarse, sintiendo que nada les sale bien y creyendo que su talento no se está aprovechando.

Muchos diseñadores, cuando empiezan, pueden buscar por todas partes directrices de diseño o seguir ciegamente las tendencias y principios, y hacerlo así a menudo evita cometer errores. Sin embargo, a medida que se adquiere experiencia, poco a poco te darás cuenta de que limitarte a aplicar mecánicamente las directrices sin incorporar tu propio pensamiento hará que sea difícil lograr avances.

Además, los malos hábitos de diseño y trabajo han obstaculizado constantemente mi crecimiento y mejora.

He recopilado siete sugerencias sinceras para diseñadores que te ayudarán a superar tus limitaciones en tu trayectoria profesional.

Yo, enfatizo la acumulación.

Los diseñadores, especialmente los diseñadores de moda, se dedican básicamente a todo. Siempre que esté relacionado con la estética, el arte o incluso la vida, si tenemos los conocimientos suficientes, podemos idear rápidamente el contenido adecuado al planificar un proyecto o diseñar un tema, modelarlo rápidamente en nuestra mente y luego transformarlo e integrarlo.

A veces, la falta de ideas proviene de la falta de conocimiento y comprensión. Cuando llega el momento de trabajar, uno no sabe por dónde empezar: ”ni siquiera un cocinero experto puede preparar una comida sin arroz”.”

En este momento, necesitas inspirarte y buscar pistas en todos los aspectos e integrar lo que oyes, ves y sabes sin límites .

Para ser sinceros, esto no es algo que se pueda lograr de una sola vez mediante el uso de elementos como líneas, colores, tejidos, detalles y artesanía; requiere una acumulación gradual y un proceso de desarrollo progresivo.

Si has acumulado suficientes conocimientos, después de expandirte hasta cierto punto, deberías empezar a intentar establecer conexiones abstractas o hacer sustracciones. En este punto, necesitarás tu lógica de diseño subyacente y tu pensamiento estructurado.

— ¿Cómo se hace?

1. Estudiar, imitar y analizar diseños excelentes ayuda a los diseñadores a acumular materiales de diseño e información relacionada.;
2. Crea tu propia biblioteca de recursos. Ya sean imágenes, textos o vídeos, estas son las mejores fuentes de recursos para tu propio desarrollo e ideas.
3. Una vez completados los proyectos de desarrollo trimestrales o una serie de ellos, es necesario resumir, revisar y realizar un seguimiento de los resultados de ventas para preparar el siguiente diseño y sentar las bases para mejorar las capacidades propias.

II. Hacer hincapié en la comunicación

Veamos primero un escenario:

El director le dio una prenda de muestra al diseñador A y le dijo que la utilizara como referencia para crear tres variaciones.

El diseñador A trabajó horas extras para completar el borrador del diseño y se lo entregó al director para que lo revisara al día siguiente. El director dijo que el estilo ampliado no era adecuado y el borrador del diseño fue devuelto para que se volviera a hacer.

Trabajar horas extras y esforzarse tanto, solo para que al final rechacen tu manuscrito... ¿No es increíblemente frustrante y desalentador?

Del mismo modo, existen problemas de comunicación entre los asistentes de diseño y los diseñadores, y entre los directores y los jefes.

“Esto no es lo que quiero”.”

“No tengo ningún requisito, eres libre de hacer lo que quieras”.”

“Yo tampoco sé qué tipo quiero. ¿Por qué no diseñas uno primero?”

El diálogo anterior puede parecer familiar, pero este tipo de situaciones indican una falta de comunicación genuina.

No creas a nadie que te diga que no hay requisitos. Una vez que hayas terminado, los requisitos se acumularán de repente y te pedirán que hagas todo tipo de cambios.

Por lo tanto, comuníquese más con los demás antes de hacer nada. Si no tienen ningún requisito, guíelos para que los expresen. Una vez que encuentre los requisitos clave, muéstreles una imagen de referencia o algo similar para confirmar si coincide con su comprensión.

Por ejemplo:

El gerente dijo que nuestro estilo debería inclinarse hacia la feminidad. Vale, ¿qué entiendes por feminidad? ¿Qué tipo de feminidad? Puedo mostrarte más de cinco imágenes de diferentes estilos de feminidad. ¿A cuál te refieres?

Por ejemplo, ¿conoces alguna marca con un estilo que te guste? O puedes buscar en Internet estilos que te gusten y enviármelos. Sin texto, solo imágenes, imágenes que transmitan con precisión lo que quieres decir.

Haz tantas preguntas como puedas y comunícate más. No tengas miedo de molestar a la otra persona. Las personas que hacen bien las cosas suelen ser un poco molestas.

III. No prestes demasiada atención a los detalles.

Reconozco que los detalles son importantes. Cuando se dispone del tiempo y los recursos necesarios para ocuparse de estos pequeños detalles, hay que hacerlo bien.

Sin embargo, a menudo veo equipos o diseñadores que, mientras ignoran los problemas importantes, se obsesionan con detalles menores. Es como si las barras de acero de la casa estuvieran torcidas, pero seguimos pensando en qué color pintar las paredes.

Por lo tanto, los detalles en sí mismos no son incorrectos; el error radica en pasar por alto el panorama general y profundizar directamente en los detalles.

Por ejemplo:

Al dibujar un renderizado, primero debes determinar las proporciones, luego la dinámica y, por último, la estructura. Solo después de haber hecho bien estas tres cosas puedes trabajar en la ropa, los detalles y las líneas. La clave es comparar las relaciones entre las diferentes partes y ampliar la imagen para ver si el diseño general es armonioso.

Al dibujar un boceto de diseño, primero debes determinar el contorno, luego las proporciones y divisiones, y finalmente la estructura. Por último, debes considerar las técnicas, los detalles y el trabajo de líneas.

En primer lugar, determina el posicionamiento general, el estilo y el público objetivo del producto antes de empezar a diseñar, buscar imágenes y dibujar. No te precipites a la hora de producir imágenes, decoraciones o ropa.

Al planificar el diseño, seguir la lógica del volumen, el plano, la línea y el punto, y proceder en el orden de círculos grandes que abarcan círculos más pequeños, evitará el caos y la falta de rumbo. También evitará que perfecciones los detalles solo para descubrir que, al final, hay que descartar todo el proyecto.

Como diseñador de moda, es esencial encontrar un equilibrio entre eficacia y eficiencia.

No hay necesidad de atascarse en detalles innecesarios cada vez. Debes controlar tu propio ritmo. Sabes cómo ser meticuloso, pero también debes saber cómo preocuparte menos por las nimiedades y producir rápidamente .

También debes comprender que decidir pasar por alto algunos defectos que puedes aceptar temporalmente y conservar tu energía para resolver problemas más urgentes hará que tu trabajo sea más eficaz. Esto también te ayudará a desarrollar tu capacidad para controlar el progreso del diseño.

IV. Presta atención a la flexibilidad.

Ejemplos del mundo real:

Dos diseñadores me impresionaron especialmente: uno tenía mucha experiencia y el otro era aún más creativo. El creativo, en particular, producía cosas con una rapidez excepcional.

Las personas con experiencia son más racionales en el diseño. Tendrán entre 7 y 8 alternativas y consultarán con otros compañeros. Debido a su experiencia, suelen ser más indecisas y siempre quieren alcanzar la perfección. Prestarán mucha atención incluso a los problemas más pequeños.

Con el tiempo, las ideas de diseño del diseñador experimentado se volvieron cada vez más limitadas y su producción fue disminuyendo. Mientras tanto, otro diseñador, gracias a la acumulación gradual de experiencia y a su gran capacidad creativa, fue dejando atrás poco a poco al “veterano”.

No es que ser racional y cauteloso sea un mal hábito, sino que la clave está en saber cuándo ser racional y cauteloso.

El campo del diseño comercial nos exige ser muy inclusivos y debemos ser buenos adaptando nuestra forma de pensar.

Si ahora mismo no se te ocurre ninguna idea mejor, intenta dejar tu trabajo, tomarte un descanso o hacer otra cosa para que tu cerebro descanse.

Después de todo, ser diseñador no es como ser obrero de fábrica, donde trabajar más no significa necesariamente obtener más beneficios.

Dentro de los límites del progreso del trabajo, debes ser capaz de cambiar de tarea de manera oportuna, o simplemente no trabajar en absoluto, y evitar quedarte atascado en una sola tarea.

Las personas con un fuerte sentido de propósito saben cómo organizar su trabajo.

V. No sigas ciegamente las reglas de diseño.

La razón de la procrastinación y la terquedad es, en realidad, que estamos demasiado centrados en si cumplimos las normas.

En primer lugar, es importante comprender que utilizar reglas no significa utilizarlas a ciegas.

No sé si es porque no me gusta seguir las reglas, pero cuando alguien me dice una regla, no puedo evitar cuestionarla o intentar romperla.

Porque estoy más acostumbrado a resumir las reglas basándome en mi propia experiencia práctica.

Por supuesto, no siempre fui así. Cuando estaba en la universidad y cuando empecé a trabajar, diseñaba siguiendo las reglas al pie de la letra.

Por ejemplo, aprendí muchos de los llamados “principios del diseño de ropa”:

Principios del diseño de moda

Principio de unidad

La unidad y la armonía comparten significados similares. En el diseño de moda, la unidad se consigue a menudo mediante la coordinación de elementos y técnicas. En un buen diseño, la disposición de las diferentes partes de una prenda, así como la relación entre las partes y el conjunto —como los materiales, los colores y las líneas— deben ser coherentes. Si estos elementos varían demasiado, el diseño carecerá de coherencia. La repetición es la forma más común de lograr la unidad. Por ejemplo, el uso repetido de los mismos colores o líneas puede crear un estilo distintivo.

Principio de énfasis

Énfasis (también conocido como diseño de acento o punto focal). Aunque la unidad es importante en el diseño, un exceso de unidad puede dar lugar a monotonía. El enfoque más eficaz consiste en resaltar una parte distintiva determinada para crear un foco visual. El énfasis se puede lograr mediante el contraste de colores (por ejemplo, utilizando ribetes rojos en un conjunto de color oscuro), el contraste de materiales (por ejemplo, combinando piel de conejo con tejido de lana), la disposición de las líneas (por ejemplo, ribetes blancos en cuellos o puños), los detalles de corte (como capas o diseños de corte princesa) y el uso de accesorios (como pañuelos de seda o collares de colores metálicos). Sin embargo, el énfasis debe utilizarse de forma selectiva, ya que demasiados puntos focales debilitarán el efecto. La zona enfatizada no debe ser excesiva y debe situarse en la parte más estética del cuerpo para que sirva de centro visual.

Principio del equilibrio

El equilibrio aporta a la ropa una sensación de estabilidad y tranquilidad, y es un principio clave del buen diseño. El equilibrio se puede dividir en equilibrio simétrico y equilibrio asimétrico.
El equilibrio simétrico utiliza la línea central del cuerpo humano como eje, siendo los lados izquierdo y derecho exactamente iguales. Este tipo de diseño crea una sensación de dignidad y formalidad, pero puede parecer algo rígido.
El equilibrio asimétrico se centra en el equilibrio visual. Aunque los lados izquierdo y derecho son diferentes en cuanto a diseño, siguen dando una sensación de equilibrio. Esto se consigue a menudo mediante diseños diagonales (como los dobladillos diagonales), que dan una impresión más viva y suave. Además, hay que prestar atención al equilibrio entre la parte superior e inferior de la prenda, evitando que parezca demasiado pesada en la parte superior o en la inferior.

Principio de proporción

La proporción se refiere a la distribución de los tamaños entre las diferentes partes de la prenda. Una proporción adecuada crea un efecto visual armonioso. Por ejemplo, la relación entre el escote y el tamaño del cuello, así como las proporciones estéticas de las prendas, deben ser adecuadas. La “proporción áurea” se aplica a menudo en el diseño de moda. Además, también deben tenerse en cuenta cuidadosamente las proporciones de los accesorios y los elementos decorativos.

Principio del ritmo

El ritmo se refiere a elementos repetidos que crean una sensación de movimiento y continuidad. Algunos ejemplos son la repetición rítmica a través de degradados de color, variaciones en la forma y el tamaño, líneas repetidas, patrones de color recurrentes y detalles decorativos como volantes o pliegues. Estas técnicas se utilizan habitualmente en el diseño para crear ritmo visual.

En ese momento, no sabía que había reglas mejores, y era demasiado joven para haber experimentado problemas al usar esas reglas.

Sin embargo, a medida que tu experiencia y conocimientos aumenten, te darás cuenta de que que algunas reglas simplemente nos están ayudando a ser perezosos hasta cierto punto.

Sin embargo, no estoy diciendo aquí que no haya buenas reglas y lógica en el diseño, o que no sea necesario seguir las reglas en absoluto. Solo sugiero que no se apliquen las reglas de forma ciega.

Antes de utilizar cualquier regla de diseño, debe considerar si es razonable aplicarla en este caso.

VI. No confíes ciegamente en las tendencias.

El mayor inconveniente de confiar ciegamente en las tendencias es que conduce a la homogeneización del diseño.

El mercado nacional de la confección, especialmente el de la ropa femenina, lleva mucho tiempo atravesando un periodo de estancamiento. En los últimos años, el entorno del mercado ha sido poco dinámico y algunas empresas han reducido su inversión en el desarrollo de prendas de vestir, o incluso han optado por seguir directamente las tendencias de la moda y abandonar el diseño independiente.

Dada esta realidad, con el fin de ahorrar costes y alcanzar los objetivos de rendimiento, la mayoría de los diseñadores (incluidos los diseñadores de marcas) elegir cortar los diseños de los productos más vendidos en diferentes dimensiones y luego combinarlos para crear nuevos diseños.

Es justo decir que el diseño nacional adolece de una grave homogeneización. Ya sea en las siluetas o en la selección de elementos de moda, los diseños suelen parecer completamente diferentes. La verdad es que las preferencias estéticas chinas difieren significativamente de las europeas y americanas; enfatizar excesivamente la imitación solo da como resultado una imitación deficiente.

Por lo que sé, muchas empresas de marca ya están reflexionando sobre este tema.

Dado que cada año hay tendencias diferentes, es posible que visites varias plataformas o mercados, o incluso que veas lanzamientos internacionales de productos. Pero después de revisar todo esto, es posible que sigas sin poder sacar ninguna conclusión. Esto se debe a que el alcance es demasiado amplio y, aunque consigas llegar a la conclusión correcta, tu análisis suele ser inexacto, lo que conlleva un esfuerzo inútil y resultados mínimos.

Desde la perspectiva de un diseñador, hablan constantemente sobre las tendencias actuales y futuras, lo que está de moda hoy en Instagram y qué bloguero será tendencia mañana. Pero, en la práctica, a menudo se quedan cortos. O bien sus diseños no se pueden traducir en estilos prácticos y comercializables, o bien los productos no funcionan bien tras su lanzamiento al mercado.

Entonces, si no seguimos ciegamente la tendencia, ¿qué podemos hacer?

Sugerencia:

No hay necesidad de seguir ciegamente las tendencias. Necesitas saber qué dejar atrás, descubrir quién eres y aprender a desarrollar tu propia competitividad básica.

En cuanto a esas tendencias populares, sin duda tienen sus razones para existir, o más bien, un cierto grado de racionalidad. Pero lo que realmente hay que entender es que tu elección no se basa en seguir la tendencia simplemente porque todo el mundo la está siguiendo.

VII. Salga de su zona de confort cuando sea necesario.

Cualquier trabajo, basado en la familiaridad, se puede dividir en la “zona de confort”, la “zona de entrenamiento” y la “zona de desafío” (como se muestra a continuación):

La “zona de confort” no necesita explicación. No es necesario utilizar herramientas de lógica de diseño ni siquiera pensar. Simplemente trabajas basándote en tus sentimientos. Permanecer en esta zona es lo más cómodo. Sin embargo, tu trabajo suele consistir en repetir lo mismo una y otra vez, lo que no contribuye en absoluto al desarrollo de tus habilidades.

Por ejemplo:

“Este estilo y este tejido parecen bastante buenos, y el color también está bien. ¿Por qué no lo probamos?”.”

El “área de formación” será más exigente y puede mejorar considerablemente tu conciencia sobre el diseño.

En este punto, necesitas transformar esos “sentimientos” aparentemente grandes y vagos en tus propias herramientas cuantificables.

Por ejemplo:

Lo desglosamos en cinco dimensiones, cada una de las cuales se corresponde con las características del tejido. A continuación, lo desglosamos aún más en función de varios aspectos, como la temporada y la sensación, para encontrar la mejor combinación de tejido y estilo.

Si puedes navegar por la “zona de desafío” con facilidad, entonces has dominado por completo cómo aplicar el pensamiento que has aprendido, poner realmente en práctica el pensamiento estructurado y convertirlo en parte de tus habilidades.

Por ejemplo:

Resuma la mentalidad de creación de ingredientes, luego vuelva al nivel de aplicación y ponga en práctica la mentalidad descompuesta en el trabajo real.

Zona de confort

Sensación intuitiva
Elegir esta tela para este estilo parece adecuado.,
El color parece estar bien, ¿por qué no lo pruebas primero?
Combina las telas directamente basándote en tus sensaciones.

Zona de entrenamiento

Análisis deconstruccionista
Desmontar desde cinco dimensiones,
cada dimensión corresponde a las características de este tejido.
A continuación, desde varios aspectos, como la temporada y la sensación,
Desglosarlo aún más para obtener el método de combinación de tejidos.

Zona de retos

Aplicación sistemática
Resuma el razonamiento que hay detrás de la selección de materiales.,
luego volver al nivel de la aplicación,
y aplicar el pensamiento deconstruido al trabajo práctico de combinar estilos con tejidos.

No hay nada malo en el concepto de “zona de confort”. El problema radica en permanecer en nuestra zona de confort durante demasiado tiempo.

Trabajar en tu zona de confort suele implicar repetir las mismas tareas una y otra vez, y eso no te ayuda en absoluto a desarrollar tus habilidades.

Por lo tanto, debemos pasar gradualmente de nuestra “zona de confort” a nuestra “zona de entrenamiento”.

Una vez que domines las habilidades en la “zona de entrenamiento”, dirígete a la “zona de desafío”, que te resultará completamente desconocida.”

Comportamiento de los diseñadores: saben cómo trabajar, cómo aprender y cómo vivir.

El desarrollo de habilidades profesionales es esencialmente un proceso como este.

1. Sé proactivo y dedícate por completo a tu trabajo, demuestra un gran interés y transmite un sentido de responsabilidad.
2. Asóciate con empresas y negocios, trátalos como si fueran tus clientes, haz que aprecien tu talento y recomiéndales tus conceptos.
3. Posee dedicación y espíritu de trabajo en equipo. Cualquier proyecto se lleva a cabo gracias al esfuerzo colectivo del equipo, utilizando métodos convencionales para obtener los mejores resultados en términos de artesanía.
4. Los diseñadores son creadores de arte y también profesionales de la industria de la moda. Se consideran superiores a los demás y a la empresa, por lo que cumplen con sus responsabilidades profesionales y laborales. Poseen una ferviente dedicación a su profesión y un espíritu innovador y explorador. Aunque el trabajo es exigente, encuentran alegría incluso en las dificultades y experimentan una inmensa felicidad.
5. Posee un gran sentido de la calidad en el diseño y una alta eficiencia en el trabajo, caracterizado por ser “rápido, eficiente, diligente, económico y estéticamente agradable”.
6. Opera siempre en el mercado desde la perspectiva del inversor. El éxito es la única opción; el fracaso no es una opción. Proporciona a las empresas al menos una sensación de seguridad y reduce el número de riesgos.
7. Sepa cómo promocionarse; sea un buen vendedor. Tenga un plan y datos de mercado que respalden sus diseños. Sea elocuente y comunique sus ideas con frecuencia.
8. Posee una comprensión precisa, una planificación exhaustiva y una gran capacidad de demostración.
9. Comprender el mercado de la confección y el funcionamiento de las marcas, y apreciar los puntos fuertes de la marca. Aprender de los clientes, ya que representan a un determinado grupo de consumidores; confiar en su intuición y, basándose en sus opiniones, realizar análisis, resúmenes y juicios precisos.
10. Debe tener conocimientos del mercado, capacidad de observación, análisis, liderazgo y desarrollo (saber identificar los productos que están de moda, los que se venden bien y los que tienen potencial para un mayor desarrollo), sumergirse en el mercado, evitar tomar decisiones a puerta cerrada, cosechar los beneficios sin esfuerzo y abstenerse de fantasías poco realistas. Debe poseer la capacidad de trabajar de forma independiente.

(Planificado → Control estricto → Descentralización del trabajo → Consecución de objetivos → Gestión global del inventario)

11. Aprende a crear guiones gráficos (storyboards): para la comunicación interna del equipo dentro del departamento de diseño, para la colaboración en marketing, para series de diseñadores (marca personal) y para series de marcas (marca de mercado).
12. El esquema de diseño es a corto plazo, de alta frecuencia y muy rentable, y combina el arte y la practicidad (es decir, combina enfoques académicos y de mercado).
13. Domina las seis condiciones básicas del diseño de ropa: ¿Quién lo lleva? ¿Cuándo lo lleva? ¿Dónde lo lleva? ¿Qué lo lleva? ¿Por qué lo lleva? ¿Cómo lo lleva?
14. Trabaja duro, diviértete y disfruta al máximo del aprendizaje y de la vida. Vanguardista, apasionado, seguro de sí mismo, optimista y juvenil: en resumen, un carácter excelente es el requisito principal para ser un diseñador de moda cualificado.

Reflexión final

Como diseñador de moda, además de los conocimientos y habilidades mencionados anteriormente, hay otro factor crucial: el carácter del diseñador. En pocas palabras, “para ser un gran profesor, primero hay que ser una buena persona”. Dicho de forma más elegante, debería ser “poseer tanto virtud como talento”. En este caso, “carecer de carácter moral, ser deshonesto, egoísta, estar preocupado por las ganancias y pérdidas personales y carecer de espíritu de dedicación” significa que será difícil trabajar con diligencia, tener en cuenta a los demás y cooperar de manera eficaz. Las empresas modernas están organizadas como grupos militarizados y colaborativos; ningún individuo puede realizar todas las tareas de todos los departamentos y puestos de trabajo. Por lo tanto, los diseñadores deben comprender su lugar y evitar ser arrogantes, dominantes o condescendientes.

La capacidad de cooperar con otros, especialmente con aquellos más capaces que uno mismo, suele ser un factor clave para el éxito de un diseñador. La clave del éxito reside en la capacidad de gestionar eficazmente las relaciones interpersonales. Como dice el refrán, “un héroe necesita tres ayudantes”, y el encanto del estilo atrae a un gran grupo de personas dispuestas y dedicadas. En la actualidad, la estabilidad política, la prosperidad económica y el desarrollo de la industria de la confección proporcionan a nuestros diseñadores un entorno favorable y una oportunidad histórica para mostrar su talento. Sin embargo, el éxito, en cierta medida, depende del dominio del “elemento humano”. En términos modernos, “elemento humano” significa ser capaz de manejar bien las relaciones interpersonales en el trabajo, cooperar eficazmente, reconocer las fortalezas de los demás, ser tolerante y saber cómo utilizar el talento.

Además, cuando se compite con otros en el mercado, hay que ser recto y honesto, y nunca intentar elevarse a costa de los demás. Las costumbres obsoletas de la antigua economía agraria, como “los eruditos se enfrentan” y “los competidores son enemigos”, no son lo que nuestra era necesita.