Es ist nicht einfach, ein guter Modedesigner zu werden. Dazu braucht man nicht nur ein gewisses Maß an Talent, sondern auch ein Verständnis für effektive Lernmethoden und die Bereitschaft, hart zu arbeiten, um Erfolg zu haben.

Bedeutung des Sammelns und Organisierens von Fachmaterialien und verschiedenen Arten von Informationen

Die Designmethode für recycelte Kleidung ist zwar praktisch, aber aus einer übergeordneten Perspektive betrachtet ist es schwierig, sich dem Einfluss der Ideen anderer zu entziehen und echte Innovation und Transzendenz zu erreichen. Daher müssen wir uns über unser Fachgebiet hinaus mehr Informationen beschaffen, beispielsweise über die Errungenschaften der technologischen Entwicklung, kulturelle Trends, Kunstwerke verschiedener Genres sowie ideologische Trends und Konzepte, die sich in Literatur, Philosophie und Musik widerspiegeln. Dies wird unser Wissen erweitern, unseren Horizont erweitern und es uns ermöglichen, von anderen zu lernen, mehr Inspiration zu gewinnen und bessere Ideen zu entwickeln.

Durch Nachahmung lernen und sich verbessern

Nachahmung ist eine inhärente Eigenschaft, die alle höheren Lebensformen gemeinsam haben. Ein amerikanischer Psychologe hat einmal gesagt, dass Nachahmung als eines der Verhaltensmuster des Menschen das Ergebnis des Lernens ist. Aus der Perspektive des Verhaltens selbst sollte die Verwendung von Nachahmung im Lernprozess als eine Form des Plagiats betrachtet werden, als das Gegenteil von Schöpfung; sie zeigt nicht, wie gut die Fähigkeiten oder Fertigkeiten einer Person sind. Es sollte jedoch anerkannt werden, dass viele erfolgreiche Erfindungen oder Schöpfungen mit Nachahmung beginnen und dass Nachahmung als eine sehr gute Lernmethode angesehen werden sollte.

Kontinuierliche Verbesserung unserer ästhetischen Fähigkeiten und Etablierung unserer eigenen ästhetischen Werte

Ästhetische Fähigkeiten, auch bekannt als “ästhetische Wahrnehmung”, beziehen sich auf die Fähigkeit von Menschen, Schönheit, schöne Dinge und verschiedene ästhetische Eigenschaften zu erkennen und zu bewerten. Mit anderen Worten, sie umfassen die Sensibilität, das Urteilsvermögen, die Vorstellungskraft und die Kreativität, die Menschen benötigen, um verschiedene Dinge und Phänomene in der Natur und im sozialen Leben ästhetisch zu analysieren und zu bewerten. Für Designer ist es entscheidend, ihre ästhetische Fähigkeit zu kultivieren und zu verbessern. Menschen mit ausgeprägter ästhetischer Fähigkeit können Schönheit schnell entdecken, die wesentlichen Elemente, die tief in ästhetischen Objekten verborgen sind, erfassen und ihre sensorische Wahrnehmung zu rationalem Verständnis erheben. Nur so können sie Schönheit schaffen und gestalten. Sich allein auf momentane Inspiration zu verlassen, ohne die erworbene künstlerische Raffinesse zu kultivieren, macht es schwierig, außergewöhnliches Talent und Tiefe zu entwickeln.

Sich so schnell wie möglich sensibler machen

Die ersten Inspirationen und Anhaltspunkte für das Design stammen oft aus allen Bereichen des Lebens. Manche Dinge mögen gewöhnlich oder unbedeutend erscheinen, aber sie können viele brillante Aspekte enthalten. Wenn Designer diese nicht wahrnehmen und ihre Existenz nicht entdecken, werden sie nicht in der Lage sein, sie rechtzeitig zu erfassen und zu nutzen. In diesem Fall würden viele nützliche Designmaterialien übersehen werden.

Sich so schnell wie möglich modisch kleiden

Obwohl modische Dinge nicht immer gut oder schön sind, müssen Designer offen sein und dürfen neuen Ideen und Phänomenen gegenüber nicht voreingenommen sein. Sie müssen lernen, sich in andere hineinzuversetzen, sie zu akzeptieren und über sie nachzudenken. Nur so können ihre Entwürfe mit der Zeit gehen und sogar Modetrends vorgeben.

Sich aktiv Gelegenheiten zum Üben schaffen

Modedesign ist ein sehr praxisorientierter Studiengang. Nur durch kontinuierliches Üben kann man Kleidung wirklich verstehen, direktere Erfahrungen sammeln und wirklich gute und nützliche Designs entwerfen.

Lernen Sie, mit anderen zu kommunizieren, Ideen auszutauschen und zusammenzuarbeiten.

Als Designer ist es unerlässlich, Teamgeist zu entwickeln und zu lernen, mit anderen zu kommunizieren, Ideen auszutauschen und zusammenzuarbeiten. Diese Fähigkeiten müssen während des Studiums entwickelt und gefördert werden und sollten zur Gewohnheit werden, da sie für die zukünftige Arbeit von großem Nutzen sind.

1. Beginnen Sie damit, den menschlichen Körper zu zeichnen, um sich mit ihm vertraut zu machen.
2. Nachdem Sie das Zeichnen von Figuren gelernt haben, lernen Sie grundlegende Farbzusammenhänge.
3. Beginnen Sie mit dem Erlernen einiger grundlegender Kenntnisse im Modedesign, beginnend mit dem Zeichnen von Schnittmustern.
4. Nach den oben genannten Lerninhalten haben Sie im Wesentlichen Kenntnisse über den menschlichen Körper, Farben und Stile erworben. Als Nächstes werden wir uns mit der Wirkung von Kleidung auf den menschlichen Körper befassen.
5. Ich empfehle die beiden Bücher “Classic American Fashion Illustration Techniques” (Grundlagen- und Fortgeschrittenenausgabe). Wenn Sie die Lektionen in den Büchern üben, werden Sie mit etwas Fleiß bestimmt in der Lage sein, Modeillustrationen zu zeichnen.
6. Lernen Sie einige Techniken der Schnittmustererstellung, um sicherzustellen, dass Sie den Herstellungsprozess der von Ihnen entworfenen Kleidungsstücke verstehen.

Wie man ein guter Modedesigner wird:

Erstens: Sie verfügen über ein hohes Maß an Fachwissen im Bereich Bekleidung und ein ausgeprägtes Gespür für Modetrends!

Zweitens: Es entspricht der Marktnachfrage und hat einen hohen Marktanteil!

Drittens: Ein guter Designer kann den gesamten Prozess vom kreativen Entwurf über die Schnittmustererstellung bis hin zur Produktion des fertigen Kleidungsstücks eigenständig durchführen!

Viertens: Machen Sie sich mit Stoffen vertraut und lernen Sie, sie auf unterschiedliche Weise zu kombinieren und aufeinander abzustimmen!

Um Modedesigner zu werden, muss man erstens Kunst lieben und Trends verstehen und zweitens über fundierte künstlerische Kenntnisse und solide Zeichenfähigkeiten verfügen. Darüber hinaus muss man ein Ideal haben – seine eigene einzigartige künstlerische Welt schaffen, seine Träume verwirklichen wollen und den Mut haben, ein Pionier in der Modebranche zu sein. Man muss ein Modeforscher und Trendsetter sein, eine tiefe Leidenschaft für Kleidung haben und ein einzigartiges Gespür für gewöhnliche Stoffe und Accessoires besitzen.

Welche Fähigkeiten und Kenntnisse sollte ein Modedesigner also mitbringen? Manche glauben, Modedesign sei einfach: Man blättere einfach in Zeitschriften, suche hier einen Kragen, dort einen Ärmel und füge sie zusammen – das sei alles. Andere meinen, man könne Modedesigner sein, solange man Kleidung herstellen könne. Wieder andere glauben, man könne Designer sein, solange man Modeillustrationen zeichnen könne. In Wirklichkeit kreiert der erste Typ von “Designer” oft ein Sammelsurium aus zusammenhanglosen Kleidungsstücken; der zweite Typ ist oft durch seine begrenzten Fertigkeiten in der Herstellung eingeschränkt und nicht in der Lage, sich an die sich schnell entwickelnden Marktanforderungen anzupassen; der dritte Typ kann zwar zeichnen, aber da er nicht versteht, wie man die Kleidungsstücke tatsächlich herstellt, sind die meisten seiner Zeichnungen nicht realisierbar. Es ist klar, dass alle drei Sichtweisen etwas voreingenommen sind.

Modedesign erfordert häufige Bezugnahme auf die erfolgreichen Werke von Vorgängern, um Inspiration und Anregung aus herausragenden Stücken zu schöpfen, aber das ist keineswegs dasselbe wie einfaches Zusammenfügen oder Kopieren. Schnitt- und Nähtechniken sind wichtige Grundlagen des Modedesigns und wichtige Mittel, um die Designabsicht auszudrücken, aber das Beherrschen von Schnitt und Nähtechnik ist nicht gleichbedeutend mit dem Beherrschen des Designs, genauso wie das Spielen eines Klaviers nicht gleichbedeutend mit Komponieren ist oder das Errichten einer Mauer nicht gleichbedeutend mit architektonischem Design. Die Fähigkeit, Modeillustrationen zu zeichnen, ist lediglich der Erwerb eines Werkzeugs zur Ausdrucksweise der Designabsicht. Wie aus dem oben beschriebenen Modedesignprozess ersichtlich ist, ist das Zeichnen von Designskizzen nur der Anfang des Designprozesses. Wer nicht versteht, wie er seine Designabsicht umsetzen kann, und sich nur mit “theoretischen Diskussionen” beschäftigt, wird im harten Wettbewerb auf dem Markt nicht bestehen können. Tatsächlich finden “Designer”, die nur Modeillustrationen zeichnen können, heutzutage keine Arbeit mehr.

Praktische Tipps für Modedesigner

Viele Designer haben oft Schwierigkeiten, sich in den ersten Jahren nach ihrem Abschluss an eine neue Umgebung anzupassen. Sie haben das Gefühl, dass nichts reibungslos läuft, und glauben, dass ihre Talente nicht genutzt werden.

Viele Designer suchen zu Beginn ihrer Karriere vielleicht überall nach Designrichtlinien oder folgen blindlings Trends und Prinzipien, wodurch sie oft Fehler vermeiden können. Mit zunehmender Erfahrung werden Sie jedoch allmählich erkennen, dass es schwierig ist, Durchbrüche zu erzielen, wenn Sie Richtlinien einfach mechanisch anwenden, ohne Ihre eigenen Gedanken einzubringen.

Darüber hinaus haben schlechte Design- und Arbeitsgewohnheiten mein Wachstum und meine Verbesserung immer wieder behindert.

Ich habe 7 aufrichtige Vorschläge für Designer zusammengestellt, die Ihnen helfen sollen, Ihre Grenzen auf Ihrem Weg als Designer zu überwinden.

Ich betone die Anhäufung.

Designer, insbesondere Modedesigner, sind grundsätzlich an allem beteiligt. Solange es um Ästhetik, Kunst oder sogar das Leben geht, können wir, wenn wir über ausreichendes Wissen verfügen, bei der Planung eines Projekts oder der Gestaltung eines Themas schnell geeignete Inhalte entwickeln, diese rasch in unserem Kopf modellieren und dann transformieren und integrieren.

Manchmal resultiert ein Mangel an Ideen aus einem Mangel an Wissen und Verständnis. Wenn es an der Zeit ist, sich an die Arbeit zu machen, weiß man nicht, wo man anfangen soll – ”selbst ein erfahrener Koch kann ohne Reis kein Essen zubereiten”.”

Zu diesem Zeitpunkt müssen Sie sich von allen Aspekten inspirieren lassen und Hinweise sammeln und das, was Sie hören, sehen und wissen, ohne Einschränkungen integrieren. .

Um ehrlich zu sein, ist dies nichts, was sich auf einen Schlag durch den Einsatz von Elementen wie Linien, Farben, Stoffen, Details und Handwerkskunst erreichen lässt; es erfordert eine schrittweise Anhäufung und einen Prozess der allmählichen Entwicklung.

Wenn Sie genügend Wissen angesammelt haben, sollten Sie nach einer gewissen Erweiterung damit beginnen, abstrakte Verbindungen herzustellen oder Subtraktionen vorzunehmen. An diesem Punkt benötigen Sie Ihre zugrunde liegende Designlogik und Ihr strukturiertes Denken.

— Wie macht man das?

1. Das Studieren, Nachahmen und Analysieren exzellenter Designs hilft Designern dabei, Designmaterialien und zugehörige Informationen zu sammeln.;
2. Erstellen Sie Ihre eigene Ressourcenbibliothek. Ob Bilder, Texte oder Videos – dies sind die besten Quellen für Ihre eigene Entwicklung und Ihre Ideen.
3. Nach Abschluss eines Quartals oder einer Reihe von Entwicklungsprojekten ist es notwendig, die Verkaufsergebnisse zusammenzufassen, zu überprüfen und zu verfolgen, um sich auf das nächste Design vorzubereiten und die Grundlage für die Verbesserung der eigenen Fähigkeiten zu schaffen.

II, Kommunikation betonen

Betrachten wir zunächst einmal ein Szenario:

Der Direktor gab dem Designer A ein Musterkleidungsstück und sagte, er solle es als Vorlage verwenden, um drei Varianten zu entwerfen.

Designer A machte Überstunden, um den Entwurf fertigzustellen, und reichte ihn am nächsten Tag dem Direktor zur Überprüfung ein. Der Direktor sagte, dass der erweiterte Stil nicht richtig sei, und der Entwurf wurde zur Überarbeitung zurückgeschickt.

Überstunden machen und sich so viel Mühe geben, nur um am Ende eine Ablehnung zu erhalten – ist das nicht unglaublich frustrierend und entmutigend?

Ebenso gibt es Kommunikationsprobleme zwischen Designassistenten und Designern sowie zwischen Direktoren und Vorgesetzten.

“Das ist nicht das, was ich will.”

“Ich habe keine Anforderungen, Sie können tun, was Sie möchten.”

“Ich weiß auch nicht, welche Art ich möchte. Warum entwirfst du nicht zuerst einen?”

Der obige Dialog mag bekannt vorkommen, aber solche Situationen deuten auf einen Mangel an echter Kommunikation hin.

Glauben Sie niemandem, der behauptet, es gäbe keine Anforderungen. Sobald Sie fertig sind, werden sich die Anforderungen plötzlich häufen und Sie werden aufgefordert werden, alle möglichen Änderungen vorzunehmen.

Kommunizieren Sie daher mehr mit anderen, bevor Sie etwas unternehmen. Wenn diese keine Anforderungen haben, leiten Sie sie dazu an, diese zu formulieren. Sobald Sie die wichtigsten Anforderungen ermittelt haben, zeigen Sie ihnen ein Referenzbild oder etwas anderes, um zu überprüfen, ob es mit Ihrem Verständnis übereinstimmt.

Zum Beispiel:

Der Manager sagte, unser Stil sollte eher feminin sein. Okay, was verstehen Sie unter Femininität? Welche Art von Femininität? Ich kann Ihnen mehr als fünf Bilder mit verschiedenen Arten von Femininität zeigen. Welche meinen Sie?

Kennen Sie beispielsweise Marken, deren Stil Ihnen gefällt? Oder Sie können online nach Stilen suchen, die Ihnen gefallen, und mir diese zusenden. Keine Texte, nur Bilder – Bilder, die Ihre Vorstellungen genau wiedergeben.

Stellen Sie so viele Fragen wie möglich und kommunizieren Sie mehr. Haben Sie keine Angst, die andere Person zu belästigen. Menschen, die ihre Arbeit gut machen, sind in der Regel ein wenig nervig.

III. Achten Sie nicht zu sehr auf Details.

Ich weiß, dass Details wichtig sind. Wenn man die Zeit und die Ressourcen hat, sich um diese kleinen Details zu kümmern, sollte man das auch gut machen.

Ich sehe jedoch oft Teams oder Designer, die wichtige Probleme ignorieren und sich stattdessen auf unwichtige Details konzentrieren. Es ist, als wären die Stahlbalken im Haus schief, aber wir überlegen immer noch, in welcher Farbe wir die Wände streichen sollen.

Daher sind die Details an sich nicht falsch; der Fehler liegt darin, das Gesamtbild zu umgehen und sich direkt mit den Details zu befassen.

Zum Beispiel:

Beim Zeichnen einer Rendering-Skizze müssen Sie zunächst die Proportionen festlegen, dann die Dynamik und schließlich die Struktur. Erst wenn diese drei Punkte gut gelöst sind, können Sie sich mit der Kleidung, den Details und den Linien befassen. Der Schlüssel liegt darin, die Beziehungen zwischen den verschiedenen Teilen zu vergleichen und zu vergrößern, um zu sehen, ob das Gesamtdesign harmonisch ist.

Wenn Sie eine Entwurfsskizze zeichnen, sollten Sie zunächst den Umriss festlegen, dann die Proportionen und Unterteilungen und anschließend die Struktur. Zuletzt sollten Sie sich mit den Techniken, Details und Linienführungen befassen.

Legen Sie zunächst die allgemeine Positionierung, den Stil und die Zielgruppe des Produkts fest, bevor Sie mit dem Entwerfen, Suchen von Bildern und Zeichnen beginnen. Stürzen Sie sich nicht voreilig in die Produktion von Bildern, Dekorationen oder Kleidungsstücken.

Bei der Designplanung verhindert man Chaos und Ziellosigkeit, wenn man der Logik von Volumen, Fläche, Linie und Punkt folgt und in der Reihenfolge von großen Kreisen, die kleinere Kreise umschließen, vorgeht. So vermeidet man auch, dass man sich in Details verliert und am Ende feststellen muss, dass das gesamte Projekt verworfen werden muss.

Als Modedesigner ist es unerlässlich, ein Gleichgewicht zwischen Effektivität und Effizienz zu finden.

Es ist nicht nötig, sich jedes Mal in unnötigen Details zu verlieren. Sie sollten Ihr eigenes Tempo bestimmen. Sie wissen, wie man akribisch arbeitet, aber Sie sollten auch wissen, wie man sich weniger um Kleinigkeiten kümmert und schnell Ergebnisse erzielt. .

Sie sollten auch verstehen, dass es Ihre Arbeit effektiver macht, wenn Sie sich entscheiden, einige Mängel, die Sie vorübergehend akzeptieren können, zu ignorieren und Ihre Energie für die Lösung dringenderer Probleme zu sparen. Dies wird Ihnen auch dabei helfen, Ihre Fähigkeit zur Steuerung des Designfortschritts zu entwickeln.

IV, Achten Sie auf Flexibilität

Beispiele aus der Praxis:

Zwei Designer haben mich besonders beeindruckt: Der eine war sehr erfahren, der andere noch kreativer. Vor allem der Kreative arbeitete außergewöhnlich schnell.

Erfahrene Personen sind beim Entwerfen rationaler. Sie haben 7–8 Alternativen und beraten sich mit anderen Kollegen. Aufgrund ihrer Erfahrung sind sie oft unentschlossener und streben stets nach Perfektion. Selbst kleinste Probleme werden von ihnen genauestens beachtet.

Im Laufe der Zeit wurden die Designideen des erfahrenen Designers immer begrenzter, und er produzierte immer weniger. Unterdessen überholte ein anderer Designer aufgrund seiner allmählich gesammelten Erfahrungen und seines ausgeprägten kreativen Denkens nach und nach den “Veteranen”.

Es ist nicht so, dass rational und vorsichtig zu sein eine schlechte Angewohnheit ist, sondern vielmehr ist es entscheidend zu wissen, wann man rational und vorsichtig sein sollte.

Der Bereich des kommerziellen Designs erfordert von uns ein hohes Maß an Inklusivität, und wir müssen in der Lage sein, unser Denken anzupassen.

Wenn Ihnen gerade keine besseren Ideen einfallen, legen Sie Ihre Arbeit beiseite, machen Sie eine Pause oder tun Sie etwas anderes, um Ihrem Gehirn eine Auszeit zu gönnen.

Schließlich ist ein Designer nicht wie ein Fabrikarbeiter, bei dem mehr Arbeit nicht unbedingt mehr Vorteile bedeutet.

Im Rahmen des Arbeitsfortschritts müssen Sie in der Lage sein, rechtzeitig zwischen Aufgaben zu wechseln oder gar nicht zu arbeiten und zu vermeiden, dass Sie sich auf eine einzige Aufgabe festlegen.

Menschen mit einem ausgeprägten Sinn für Zielstrebigkeit wissen, wie sie ihre Arbeit organisieren müssen.

V. Befolgen Sie Designregeln nicht blindlings

Der Grund für Zögern und Sturheit liegt eigentlich darin, dass wir uns zu sehr darauf konzentrieren, ob wir uns an die Regeln halten.

Zunächst einmal ist es wichtig zu verstehen, dass Regeln anzuwenden nicht bedeutet, sie blind zu befolgen.

Ich weiß nicht, ob es daran liegt, dass ich mich nicht gerne an Regeln halte, aber wenn mir jemand eine Regel auferlegt, kann ich nicht anders, als sie in Frage zu stellen oder zu versuchen, sie zu brechen.

Weil ich es eher gewohnt bin, Regeln auf der Grundlage meiner eigenen praktischen Erfahrungen zusammenzufassen.

Natürlich war ich nicht immer so. Als ich noch studierte und gerade angefangen hatte zu arbeiten, habe ich ehrlich gesagt nach den Regeln gestaltet.

Zum Beispiel habe ich viele sogenannte “Grundsätze des Modedesigns” gelernt:

Grundlagen des Modedesigns

Prinzip der Einheit

Einheit und Harmonie haben eine ähnliche Bedeutung. Im Modedesign wird Einheit oft durch die Abstimmung von Elementen und Techniken erreicht. Bei einem guten Design sollten die Anordnung der verschiedenen Teile eines Kleidungsstücks sowie die Beziehung zwischen den Teilen und dem Ganzen – wie Materialien, Farben und Linien – einheitlich sein. Wenn diese Elemente zu stark variieren, mangelt es dem Design an Kohärenz. Wiederholung ist der gängigste Weg, um Einheit zu erreichen. Beispielsweise kann die wiederholte Verwendung derselben Farben oder Linien einen unverwechselbaren Stil schaffen.

Prinzip der Betonung

Akzentuierung (auch als Akzent oder Fokuspunkt-Design bekannt). Obwohl Einheitlichkeit im Design wichtig ist, kann übermäßige Einheitlichkeit zu Langeweile führen. Der effektivste Ansatz besteht darin, einen bestimmten markanten Teil hervorzuheben, um einen visuellen Fokus zu schaffen. Eine Betonung kann durch Farbkontraste (z. B. durch rote Paspeln an einem dunklen Outfit), Materialkontraste (z. B. durch die Kombination von Kaninchenfell mit Wollstoff), Linienanordnungen (z. B. weiße Paspeln an Kragen oder Manschetten), Schnittdetails (z. B. Capes oder Prinzessinnen-Schnitte) und die Verwendung von Accessoires (z. B. Seidenschals oder metallfarbene Halsketten) erreicht werden. Die Betonung sollte jedoch selektiv eingesetzt werden – zu viele Blickpunkte schwächen den Effekt. Der betonte Bereich sollte nicht übermäßig groß sein und an der ästhetisch ansprechendsten Stelle des Körpers platziert werden, um als visuelles Zentrum zu dienen.

Prinzip des Gleichgewichts

Ausgewogenheit verleiht Kleidung ein Gefühl von Stabilität und Ruhe und ist ein Grundprinzip guten Designs. Ausgewogenheit kann in symmetrische Ausgewogenheit und asymmetrische Ausgewogenheit unterteilt werden.
Die symmetrische Ausgewogenheit nutzt die Mittellinie des menschlichen Körpers als Achse, wobei die linke und rechte Seite exakt gleich sind. Diese Art von Design vermittelt ein würdevolles und formelles Gefühl, kann jedoch etwas streng wirken.
Asymmetrische Balance konzentriert sich auf die visuelle Ausgewogenheit. Obwohl die linke und rechte Seite unterschiedlich gestaltet sind, wirken sie dennoch ausgewogen. Dies wird oft durch diagonale Designs (z. B. diagonale Säume) erreicht, die einen lebendigeren und sanfteren Eindruck vermitteln. Darüber hinaus sollte auf die Balance zwischen dem oberen und unteren Teil des Kleidungsstücks geachtet werden, um ein kopflastiges oder schwerfälliges Erscheinungsbild zu vermeiden.

Proportionalitätsprinzip

Proportion bezieht sich auf die Verteilung der Größen auf verschiedene Teile der Kleidung. Die richtige Proportion sorgt für einen harmonischen visuellen Effekt. Beispielsweise sollten das Verhältnis zwischen Ausschnitt und Kragengröße sowie die ästhetischen Proportionen der Kleidungsstücke angemessen sein. In der Modedesignbranche wird häufig der “Goldene Schnitt” angewendet. Darüber hinaus sollten auch die Proportionen von Accessoires und dekorativen Elementen sorgfältig berücksichtigt werden.

Prinzip des Rhythmus

Rhythmus bezieht sich auf sich wiederholende Elemente, die ein Gefühl von Bewegung und Kontinuität erzeugen. Beispiele hierfür sind rhythmische Wiederholungen durch Farbverläufe, Variationen in Form und Größe, sich wiederholende Linien, wiederkehrende Farbmuster und dekorative Details wie Rüschen oder Falten. Diese Techniken werden häufig im Design verwendet, um einen visuellen Rhythmus zu erzeugen.

Damals wusste ich nicht, dass es bessere Regeln gab, und ich war zu jung, um Probleme mit diesen Regeln gehabt zu haben.

Mit zunehmender Erfahrung und Wissen werden Sie jedoch erkennen, dass dass manche Regeln uns einfach dabei helfen, bis zu einem gewissen Grad faul zu sein.

Ich sage hier jedoch nicht, dass es keine guten Regeln und Logik im Design gibt oder dass Regeln überhaupt nicht befolgt werden müssen. Ich schlage lediglich vor, dass Sie Regeln nicht blind anwenden sollten.

Bevor Sie Designregeln anwenden, müssen Sie überlegen, ob es sinnvoll ist, diese hier anzuwenden.

VI. Verlassen Sie sich nicht blind auf Trends.

Der größte Nachteil, wenn man sich blind auf Trends verlässt, ist, dass es zu einer Homogenisierung des Designs führt.

Der heimische Bekleidungsmarkt, insbesondere der Markt für Damenbekleidung, befindet sich seit langem in einer schwierigen Phase. In den letzten Jahren war das Marktumfeld schleppend, und einige Unternehmen haben ihre Investitionen in die Bekleidungsentwicklung reduziert oder verfolgen sogar direkt Modetrends und verzichten auf eigenständiges Design.

Angesichts dieser Realität versuchen die meisten Designer (einschließlich Markendesigner), Kosten zu sparen und Leistungsziele zu erreichen. Entscheiden Sie sich dafür, die Designs der meistverkauften Produkte in verschiedene Größen zu schneiden und diese dann zu kombinieren, um neue Designs zu schaffen..

Man kann mit Fug und Recht behaupten, dass das heimische Design unter einer starken Homogenisierung leidet. Ob es nun um Silhouetten oder die Auswahl trendiger Elemente geht – die Designs sehen oft völlig unterschiedlich aus. Tatsächlich unterscheiden sich die ästhetischen Vorlieben der Chinesen erheblich von denen der Europäer und Amerikaner. Eine übermäßige Betonung der Nachahmung führt nur zu schlechten Imitationen.

Soweit ich weiß, beschäftigen sich viele Markenunternehmen bereits mit diesem Thema.

Da es jedes Jahr unterschiedliche Trends gibt, besuchen Sie möglicherweise verschiedene Plattformen oder Märkte oder verfolgen sogar internationale Produkteinführungen. Aber selbst nachdem Sie all dies überprüft haben, können Sie möglicherweise immer noch keine Schlussfolgerungen ziehen. Das liegt daran, dass der Umfang zu groß ist, und selbst wenn Sie es schaffen, die richtige Schlussfolgerung zu ziehen, ist Ihre Analyse oft ungenau, was zu vergeblicher Mühe und minimalen Ergebnissen führt.

Aus der Sicht eines Designers sprechen sie ständig darüber, was heute und morgen im Trend liegt, was heute auf Instagram angesagt ist und welcher Blogger morgen im Trend liegt. In der Praxis bleiben sie jedoch oft hinter den Erwartungen zurück. Entweder lassen sich ihre Entwürfe nicht in praktische, marktfähige Modelle umsetzen, oder die Produkte verkaufen sich nach ihrer Markteinführung nicht gut.

Wenn wir also nicht blindlings dem Trend folgen, was können wir dann tun?

Anregung:

Es ist nicht notwendig, blindlings Trends zu folgen. Man muss wissen, was man loslassen kann, herausfinden, wer man ist, und lernen, seine eigene Kernkompetenz aufzubauen.

Was diese beliebten Trends angeht, so haben sie sicherlich ihre Daseinsberechtigung oder vielmehr einen gewissen Grad an Rationalität. Aber was Sie wirklich verstehen müssen, ist, dass Ihre Entscheidung nicht darauf basiert, dem Trend zu folgen, nur weil alle anderen ihn nutzen.

VII, Verlassen Sie bei Bedarf Ihre Komfortzone

Jeder Job lässt sich, basierend auf Vertrautheit, in die “Komfortzone”, die “Trainingszone” und die “Herausforderungszone” unterteilen (siehe unten):

Die “Komfortzone” versteht sich von selbst. Sie müssen keine Design-Logik-Tools verwenden oder gar nachdenken. Sie arbeiten einfach nach Ihrem Gefühl. In dieser Zone zu bleiben, ist am bequemsten. Allerdings wiederholen Sie bei Ihrer Arbeit in der Regel immer wieder dasselbe, was Ihrer Kompetenzentwicklung überhaupt nicht förderlich ist.

Zum Beispiel:

“Der Stil und der Stoff scheinen ziemlich gut zu sein, und die Farbe sieht auch ganz okay aus. Warum probieren wir es nicht einfach mal aus?”

Der “Trainingsbereich” wird anspruchsvoller sein und kann Ihr Designbewusstsein erheblich verbessern.

An dieser Stelle müssen Sie diese scheinbar großen und vagen “Gefühle” in Ihre eigenen quantifizierbaren Werkzeuge umwandeln.

Zum Beispiel:

Wir unterteilen es in fünf Dimensionen, die jeweils den Eigenschaften des Stoffes entsprechen. Anschließend unterteilen wir es weiter nach verschiedenen Aspekten wie Jahreszeit und Gefühl, um die beste Kombination aus Stoff und Stil zu finden.

Wenn Sie die “Herausforderungszone” mühelos meistern können, dann haben Sie die Anwendung des Gelernten vollständig verinnerlicht, strukturiertes Denken wirklich in die Praxis umgesetzt und es zu einem Teil Ihrer Fähigkeiten gemacht.

Zum Beispiel:

Fassen Sie die Denkweise der Zutatenherstellung zusammen, kehren Sie dann zur Anwendungsebene zurück und setzen Sie die zerlegte Denkweise in der tatsächlichen Arbeit um.

Komfortzone

Intuitives Gefühl
Die Wahl dieses Stoffes für diesen Stil scheint in Ordnung zu sein.,
Die Farbe sieht gut aus, probier es doch einfach mal aus?
Stoffe direkt nach Gefühl aufeinander abstimmen.

Trainingsbereich

Dekonstruktive Analyse
Dekonstruieren Sie aus fünf Dimensionen,
jede Dimension entspricht den Eigenschaften dieses Gewebes.
Dann, unter Berücksichtigung verschiedener Aspekte wie Jahreszeit und Empfindung,
weiter aufschlüsseln, um die Kombinationsmethode für Gewebe abzuleiten

Herausforderungszone

Systematische Anwendung
Fassen Sie die Überlegungen zur Materialauswahl zusammen.,
dann zur Anwendungsebene zurückkehren,
und wenden Sie das dekonstruierte Denken auf die praktische Arbeit der Kombination von Stilen mit Stoffen an.

An dem Konzept der “Komfortzone” ist nichts auszusetzen. Das Problem besteht darin, zu lange in unserer Komfortzone zu verweilen.

In Ihrer Komfortzone zu arbeiten bedeutet in der Regel, immer wieder dieselben Aufgaben zu wiederholen, was Ihnen dabei nicht hilft, Ihre Fähigkeiten weiterzuentwickeln.

Deshalb müssen wir uns nach und nach aus unserer “Komfortzone” in unsere “Trainingszone” begeben.

Sobald Sie die Fähigkeiten in der “Trainingszone” beherrschen, begeben Sie sich in die völlig unbekannte “Herausforderungszone”.”

Das Verhalten von Designern: Sie wissen, wie man arbeitet, wie man lernt und wie man lebt.

Die Entwicklung beruflicher Fähigkeiten ist im Wesentlichen ein Prozess wie dieser.

1. Seien Sie proaktiv und engagieren Sie sich voll und ganz für Ihre Arbeit, zeigen Sie starkes Interesse und verkörpern Sie Verantwortungsbewusstsein.
2. Arbeiten Sie mit Unternehmen und Firmen zusammen, behandeln Sie sie wie Ihre Kunden, lassen Sie sie Ihr Talent schätzen und empfehlen Sie ihnen Ihre Konzepte.
3. Verfügt über Engagement und Teamgeist. Jedes Projekt wird durch die gemeinsamen Anstrengungen des Teams umgesetzt, wobei mit gewöhnlichen Methoden die besten Ergebnisse in Bezug auf die handwerkliche Ausführung erzielt werden.
4. Designer sind Kunstschaffende und gleichzeitig Fachleute in der Modebranche. Sie sehen sich selbst als anderen und dem Unternehmen überlegen und erfüllen daher ihre Verantwortung gegenüber ihrer Karriere und ihrer Arbeit. Sie verfolgen ihren Beruf mit Leidenschaft und zeichnen sich durch Innovationsgeist und Entdeckerfreude aus. Obwohl die Arbeit anspruchsvoll ist, finden sie selbst in schwierigen Zeiten Freude und erleben großes Glück.
5. Verfügt über ein ausgeprägtes Gespür für Designqualität und hohe Arbeitseffizienz, gekennzeichnet durch “schnelle, effiziente, sorgfältige, wirtschaftliche und ästhetisch ansprechende” Arbeit.
6. Betreiben Sie den Markt stets aus der Perspektive des Investors. Erfolg ist die einzige Option, Misserfolg kommt nicht in Frage. Geben Sie den Unternehmen zumindest ein Gefühl der Sicherheit und reduzieren Sie die Anzahl der Risiken.
7. Wissen Sie, wie Sie sich selbst vermarkten können; seien Sie ein guter Verkäufer. Haben Sie einen Plan und Marktinformationen, um Ihre Entwürfe zu untermauern. Seien Sie redegewandt und kommunizieren Sie Ihre Ideen regelmäßig.
8. Verfügt über genaues Verständnis, umfassende Planungsfähigkeiten und umfassende Demonstrationsfähigkeiten.
9. Verstehen Sie den Bekleidungsmarkt und die Markenführung und erkennen Sie die Stärken der Marke. Lernen Sie von den Kunden, da sie eine bestimmte Verbrauchergruppe repräsentieren. Vertrauen Sie ihrer Intuition und erstellen Sie auf der Grundlage ihrer Meinungen genaue Analysen, Zusammenfassungen und Urteile.
10. Muss über Marktverständnis, Beobachtungsgabe, Analysefähigkeit, Führungsqualitäten und Entwicklungskompetenzen verfügen (wissen, wie man Trendprodukte identifiziert, welche sich gut verkaufen und welche Potenzial für weitere Entwicklungen haben), sich intensiv mit dem Markt auseinandersetzen, Entscheidungen hinter verschlossenen Türen vermeiden, keine Vorteile ohne Gegenleistung einfordern und keine unrealistischen Fantasien hegen. Muss die Fähigkeit besitzen, selbstständig zu arbeiten.

(Geplant → Strenge Kontrolle → Dezentralisierung der Arbeit → Zielerreichung → Gesamtbestandsverwaltung)

11. Lernen Sie, Storyboards (Sfory Bodies) zu erstellen: für die interne Teamkommunikation innerhalb der Designabteilung, für die Zusammenarbeit im Marketing, für Designerserien (Personal Branding) und für Markenserien (Market Branding).
12. Das Designkonzept ist kurzfristig, hochfrequent und hochprofitabel und verbindet Kunst und Praktikabilität (d. h. es verbindet akademische und marktwirtschaftliche Ansätze).
13. Beherrschen Sie die sechs Grundvoraussetzungen des Bekleidungsdesigns: Wer trägt es? Wann trägt man es? Wo trägt man es? Was trägt man dazu? Warum trägt man es? Wie trägt man es?
14. Arbeite hart, genieße das Leben und habe Spaß am Lernen. Avantgardistisch, leidenschaftlich, selbstbewusst, optimistisch und jugendlich – kurz gesagt: Ein ausgezeichneter Charakter ist die wichtigste Voraussetzung für einen qualifizierten Modedesigner.

Letzter Gedanke

Als Modedesigner gibt es neben den oben genannten Kenntnissen und Fähigkeiten noch einen weiteren entscheidenden Faktor: den Charakter des Designers. Einfach ausgedrückt: “Um ein großartiger Lehrer zu sein, muss man zuerst ein guter Mensch sein.” Eleganter ausgedrückt sollte es heißen: “sowohl Tugend als auch Talent besitzen”. “Mangelnde moralische Charakterstärke, Unehrlichkeit, Egoismus, die Fixierung auf persönliche Gewinne und Verluste sowie mangelnde Einsatzbereitschaft” bedeuten in diesem Zusammenhang, dass es schwierig sein wird, fleißig zu arbeiten, Rücksicht auf andere zu nehmen und effektiv zusammenzuarbeiten. Moderne Unternehmen sind wie militarisierte, kollaborative Gruppen organisiert; kein Einzelner kann alle Aufgaben aller Abteilungen und Berufe erfüllen. Daher müssen Designer ihre Position verstehen und Arroganz, Dominanz oder Herablassung vermeiden.

Die Fähigkeit, mit anderen zusammenzuarbeiten, insbesondere mit denen, die fähiger sind als man selbst, ist oft ein entscheidender Faktor für den Erfolg eines Designers. Der Schlüssel zum Erfolg liegt in der Fähigkeit, zwischenmenschliche Beziehungen effektiv zu gestalten. Wie das Sprichwort sagt: “Ein Held braucht drei Helfer”, und die Faszination des Stils zieht eine große Gruppe von engagierten und engagierten Menschen an. Derzeit bieten politische Stabilität, wirtschaftlicher Wohlstand und die Entwicklung der Bekleidungsindustrie unseren Designern ein günstiges Umfeld und eine historische Chance, ihre Talente zu präsentieren. Der Erfolg hängt jedoch bis zu einem gewissen Grad davon ab, dass man das “menschliche Element” beherrscht. In moderner Terminologie bedeutet “menschliches Element”, dass man in der Lage ist, zwischenmenschliche Beziehungen am Arbeitsplatz gut zu handhaben, effektiv zusammenzuarbeiten, die Stärken anderer anzuerkennen, tolerant zu sein und zu wissen, wie man Talente nutzt.

Darüber hinaus muss man im Wettbewerb mit anderen Marktteilnehmern aufrichtig und ehrlich sein und darf niemals versuchen, sich selbst zu erhöhen, indem man andere untergräbt. Die überholten Bräuche der alten Agrarwirtschaft, wie “Konflikte zwischen Gelehrten” und “Konkurrenten sind Feinde”, sind nicht das, was unsere Zeit braucht.