Il n'est pas facile de devenir un bon créateur de mode. Cela nécessite non seulement un certain talent, mais aussi une bonne compréhension des méthodes d'apprentissage efficaces et la volonté de travailler dur pour réussir.

Importance de collecter et d'organiser les documents professionnels et divers types d'informations

Si la méthode de conception des vêtements recyclés est pratique, d'un point de vue plus général, il est difficile d'échapper à l'influence des idées des autres et de parvenir à une véritable innovation et transcendance. C'est pourquoi nous devons nous informer davantage au-delà de notre domaine professionnel, par exemple sur les avancées technologiques, les tendances culturelles, les œuvres d'art de différents genres, ainsi que les courants et concepts idéologiques reflétés dans la littérature, la philosophie et la musique. Cela élargira nos connaissances, élargira nos horizons et nous permettra d'apprendre des autres, de trouver davantage d'inspiration et de générer de meilleures idées.

Apprendre et s'améliorer par l'imitation

L'imitation est une caractéristique inhérente à toutes les formes de vie supérieures. Un psychologue américain a déclaré un jour que l'imitation, en tant que modèle de comportement humain, est le résultat de l'apprentissage. Du point de vue du comportement lui-même, l'utilisation de l'imitation dans le processus d'apprentissage devrait être considérée comme une forme de plagiat, à l'opposé de la création ; elle ne démontre pas la qualité des compétences ou des capacités d'une personne. Cependant, il faut reconnaître que de nombreuses inventions ou créations couronnées de succès commencent par l'imitation, et que celle-ci doit être considérée comme une très bonne méthode d'apprentissage.

Améliorer continuellement nos capacités esthétiques et établir nos propres valeurs esthétiques

La capacité esthétique, également appelée “ appréciation esthétique ”, désigne la capacité des individus à reconnaître et à évaluer la beauté, les choses belles et diverses caractéristiques esthétiques. En d'autres termes, elle englobe la sensibilité, le jugement, l'imagination et la créativité nécessaires pour analyser et évaluer esthétiquement divers éléments et phénomènes dans la nature et la vie sociale. Pour les designers, il est essentiel de cultiver et d'améliorer leur capacité esthétique. Ceux qui possèdent une forte capacité esthétique peuvent rapidement découvrir la beauté, saisir les éléments essentiels cachés au plus profond des objets esthétiques et élever leur perception sensorielle à une compréhension rationnelle. Ce n'est qu'ainsi qu'ils peuvent créer et concevoir la beauté. Se fier uniquement à l'inspiration momentanée sans cultiver le raffinement artistique acquis rend difficile le développement d'un talent et d'une profondeur extraordinaires.

Devenir plus sensible dès que possible

L'inspiration initiale et les indices pour la conception proviennent souvent de tous les aspects de la vie. Certaines choses peuvent sembler ordinaires ou insignifiantes, mais elles peuvent receler de nombreux aspects brillants. Si les concepteurs n'y prêtent pas attention et ne parviennent pas à les découvrir, ils ne pourront pas les saisir et les exploiter à temps. Dans ce cas, de nombreux éléments utiles pour la conception seront perdus.

Se mettre à la mode dès que possible

Même si les articles à la mode ne sont pas toujours bons ou beaux, les créateurs doivent faire preuve d'ouverture d'esprit et ne pas avoir de préjugés à l'égard des nouvelles idées et des nouveaux phénomènes. Ils doivent apprendre à se mettre à la place des autres, à les accepter et à réfléchir à leur situation. C'est seulement ainsi que leurs créations pourront suivre l'évolution des temps, voire dicter les tendances de la mode.

Créer activement des occasions de s'exercer

Le stylisme est une discipline très pratique. Seule une pratique continue permet de vraiment comprendre les vêtements, d'acquérir une expérience plus directe et de créer des modèles vraiment bons et utiles.

Apprenez à communiquer, à échanger des idées et à coopérer avec les autres.

En tant que designer, il est essentiel de cultiver l'esprit d'équipe et d'apprendre à communiquer, à échanger des idées et à collaborer avec les autres. Ces compétences doivent être développées et entretenues pendant les études, et doivent devenir une habitude, car elles seront très utiles dans le cadre du travail futur.

1. Commencez par apprendre à dessiner le corps humain afin de vous familiariser avec lui.
2. Après avoir appris le dessin de figures, apprenez les relations de base entre les couleurs.
3. Commencez à acquérir des connaissances de base en stylisme, en commençant par dessiner des croquis de patrons.
4. Après avoir appris ce qui précède, vous maîtrisez désormais les bases du corps humain, des couleurs et des styles. Nous allons maintenant étudier l'effet des vêtements sur le corps humain.
5. Je recommande les deux livres “ Classic American Fashion Illustration Techniques ” (éditions basique et avancée). En vous entraînant à suivre les leçons contenues dans ces livres, je suis convaincu qu'avec vos propres efforts, vous serez capable de dessiner des illustrations de mode avec aisance.
6. Apprenez quelques techniques de modélisme afin de bien comprendre le processus de fabrication des vêtements que vous concevez.

Comment devenir un bon créateur de mode :

Premièrement : Ils possèdent un haut niveau d'expertise dans le domaine de l'habillement et un sens aigu des tendances de la mode !

Deuxièmement : Il répond à la demande du marché et détient une part de marché importante !

Troisièmement : Un bon designer peut réaliser de manière autonome l'ensemble du processus, de la conception créative à la création des patrons et à la production du vêtement fini !

Quatrième : Familiarisez-vous avec les tissus et apprenez à les combiner et à les assortir de différentes manières !

Pour devenir créateur de mode, il faut tout d'abord aimer l'art et comprendre les tendances, puis posséder de solides connaissances artistiques et de bonnes compétences en dessin. Il faut également avoir un idéal : créer son propre univers artistique, réaliser ses rêves et oser être un pionnier dans le domaine de la mode. Il faut être un explorateur et un précurseur, animé d'une passion profonde pour les vêtements et d'un goût unique pour les tissus et les accessoires ordinaires.

Quelles compétences et connaissances un créateur de mode doit-il posséder ? Certains pensent que la création de mode est simple : il suffit de feuilleter des magazines, de trouver un col ici, une manche là, et de les assembler, c'est tout. D'autres pensent que tant que l'on sait confectionner des vêtements, on peut être créateur de mode. D'autres encore pensent que tant que l'on sait dessiner des illustrations de mode, on peut être créateur. En réalité, le premier type de “ créateur ” crée souvent un mélange hétéroclite de vêtements sans rapport les uns avec les autres ; le deuxième type est souvent limité par ses compétences de fabrication restreintes et incapable de s'adapter aux demandes du marché en constante évolution ; le troisième type ne sait que dessiner, mais comme il ne comprend pas comment fabriquer les vêtements, la plupart de ses dessins sont irréalisables. Il est clair que ces trois points de vue sont quelque peu biaisés.

La création de mode nécessite de se référer fréquemment aux œuvres réussies de ses prédécesseurs, en s'inspirant et en s'alimentant d'excellentes pièces, mais cela n'a absolument rien à voir avec le simple assemblage ou la copie. Les techniques de coupe et de couture sont des fondements essentiels de la création de mode et des moyens importants d'exprimer l'intention du créateur, mais la maîtrise de la coupe et de la couture n'équivaut pas à la maîtrise de la création, tout comme jouer du piano n'équivaut pas à composer, ou construire un mur n'équivaut pas à concevoir un bâtiment. Savoir dessiner des illustrations de mode revient simplement à acquérir un outil permettant d'exprimer son intention créative. Comme le montre le processus de création de mode décrit ci-dessus, dessiner des croquis n'est que le début du processus de création. Ceux qui ne comprennent pas comment concrétiser leur intention créative et se contentent de “ discussions théoriques ” ne survivront pas à la concurrence féroce du marché. En fait, les “ créateurs ” qui ne savent que dessiner des illustrations de mode ne trouvent plus de travail de nos jours.

Conseils pratiques pour les créateurs de mode

De nombreux designers ont souvent éprouvé des difficultés à s'adapter à leur nouvel environnement pendant quelques années après l'obtention de leur diplôme, ayant le sentiment que rien ne se passe comme prévu et estimant que leurs talents ne sont pas exploités.

Au début de leur carrière, de nombreux designers recherchent partout des directives en matière de conception ou suivent aveuglément les tendances et les principes, ce qui leur permet souvent d'éviter les erreurs. Cependant, à mesure que l'expérience s'accumule, vous vous rendrez progressivement compte que le simple fait d'appliquer mécaniquement des directives sans y intégrer votre propre réflexion rendra difficile toute avancée significative.

De plus, une conception médiocre et de mauvaises habitudes de travail ont constamment entravé ma croissance et mon amélioration.

J'ai compilé 7 suggestions sincères destinées aux designers afin de vous aider à dépasser vos limites dans votre parcours créatif.

Je, Insiste sur l'accumulation

Les designers, en particulier les créateurs de mode, sont impliqués dans pratiquement tous les domaines. Tant que cela touche à l'esthétique, à l'art ou même à la vie, si nous disposons de connaissances suffisantes, nous pouvons rapidement trouver un contenu approprié lors de la planification d'un projet ou de la conception d'un thème, le modéliser rapidement dans notre esprit, puis le transformer et l'intégrer.

Parfois, le manque d'idées provient d'un manque de connaissances et de compréhension. Quand vient le moment de se mettre au travail, on ne sait pas par où commencer : ” même un cuisinier expérimenté ne peut pas préparer un repas sans riz ”.”

À ce stade, vous devez puiser votre inspiration et vos indices dans tous les aspects et intégrer sans limite ce que vous entendez, voyez et savez .

Pour être honnête, ce n'est pas quelque chose qui peut être réalisé d'un seul coup en déployant des éléments tels que les lignes, les couleurs, les tissus, les détails et le savoir-faire ; cela nécessite une accumulation progressive et un processus de développement graduel.

Si vous avez accumulé suffisamment de connaissances, après vous être développé dans une certaine mesure, vous devriez commencer à essayer d'établir des liens abstraits ou à faire des soustractions. À ce stade, vous aurez besoin de votre logique de conception sous-jacente et de votre pensée structurée.

— Comment faire ?

1. Étudier, imiter et analyser d'excellents designs aide les designers à accumuler des ressources de conception et des informations connexes.;
2. Constituez votre propre bibliothèque de ressources. Qu'il s'agisse d'images, de textes ou de vidéos, ce sont les meilleures sources de ressources pour votre propre développement et vos idées.
3. Une fois qu'un projet de développement trimestriel ou une série de projets de développement sont terminés, il est nécessaire de résumer, d'examiner et de suivre les résultats des ventes afin de préparer la prochaine conception et de jeter les bases pour améliorer ses propres capacités.

II, Mettre l'accent sur la communication

Examinons d'abord un scénario :

Le directeur a donné un échantillon de vêtement au créateur A et lui a demandé de s'en servir comme référence pour créer trois variantes.

Le designer A a fait des heures supplémentaires pour terminer le projet de conception et l'a remis au directeur pour qu'il l'examine le lendemain. Le directeur a déclaré que le style étendu ne convenait pas et le projet de conception a été renvoyé pour être refait.

Faire des heures supplémentaires et fournir tant d'efforts, pour finalement voir son manuscrit rejeté... N'est-ce pas incroyablement frustrant et décourageant ?

De même, des problèmes de communication existent entre les assistants designers et les designers, ainsi qu'entre les directeurs et les patrons.

“ Ce n'est pas ce que je veux. ”

“ Je n'ai aucune exigence, vous êtes libre de faire ce que vous voulez. ”

“ Je ne sais pas non plus quel type je veux. Pourquoi ne pas en concevoir un d'abord ? ”

Le dialogue ci-dessus peut sembler familier, mais de telles situations indiquent un manque de communication authentique.

Ne croyez pas ceux qui vous disent qu'il n'y a pas d'exigences. Une fois que vous aurez terminé, les exigences s'accumuleront soudainement et on vous demandera d'apporter toutes sortes de modifications.

Par conséquent, communiquez davantage avec les autres avant d'agir. S'ils n'ont pas d'exigences particulières, aidez-les à les exprimer. Une fois que vous avez identifié les exigences clés, montrez-leur une image de référence ou autre chose pour vérifier si cela correspond à votre compréhension.

Par exemple :

Le directeur a dit que notre style devait tendre vers la féminité. D'accord, mais quelle est votre conception de la féminité ? Quel type de féminité ? Je peux vous montrer plus de cinq photos illustrant différents styles de féminité. Lequel voulez-vous dire ?

Par exemple, connaissez-vous des marques dont vous appréciez le style ? Vous pouvez également rechercher en ligne les styles qui vous plaisent et me les envoyer. Pas de texte, juste des images qui traduisent fidèlement votre intention.

Posez autant de questions que possible et communiquez davantage. N'ayez pas peur de déranger l'autre personne. Les gens qui font bien les choses sont généralement un peu ennuyeux.

III, Ne vous attardez pas trop sur les détails

Je reconnais que les détails sont importants. Lorsque vous avez le temps et les ressources nécessaires pour vous occuper de ces petits détails, vous devez le faire correctement.

Cependant, je vois souvent des équipes ou des concepteurs qui, tout en ignorant les problèmes majeurs, se focalisent sur des détails mineurs. C'est comme si les barres d'acier de la maison étaient tordues, mais que nous réfléchissions encore à la couleur à choisir pour peindre les murs.

Par conséquent, les détails eux-mêmes ne sont pas faux ; l'erreur réside dans le fait de passer outre la vue d'ensemble et de se plonger directement dans les détails.

Par exemple :

Lorsque vous dessinez un rendu, vous devez d'abord déterminer les proportions, puis la dynamique et enfin la structure. Ce n'est qu'une fois ces trois éléments bien réalisés que vous pouvez travailler sur les vêtements, les détails et les lignes. La clé est de comparer les relations entre les différentes parties et de zoomer pour voir si le design global est harmonieux.

Lorsque vous dessinez une esquisse, vous devez d'abord déterminer le contour, puis les proportions et les divisions, et enfin la structure. Enfin, vous devez réfléchir aux techniques, aux détails et au tracé des lignes.

Tout d'abord, déterminez le positionnement global, le style et le public cible du produit avant de commencer à concevoir, à rechercher des images et à dessiner. Ne vous précipitez pas pour produire des images, des décorations ou des vêtements.

Lors de la planification de la conception, suivre la logique du volume, du plan, de la ligne et du point, et procéder dans l'ordre des grands cercles englobant les plus petits cercles, permettra d'éviter le chaos et l'absence d'objectif. Cela vous évitera également de perfectionner les détails pour finalement vous rendre compte que l'ensemble du projet doit être abandonné.

En tant que créateur de mode, il est essentiel de trouver un équilibre entre efficacité et efficience.

Il n'est pas nécessaire de s'enliser à chaque fois dans des détails inutiles. Vous devez contrôler votre propre rythme. Vous savez être méticuleux, mais vous devez également savoir vous soucier moins des détails et produire rapidement .

Vous devez également comprendre que choisir de laisser passer certaines imperfections que vous pouvez temporairement accepter et conserver votre énergie pour résoudre des problèmes plus urgents rendra votre travail plus efficace . Cela vous aidera également à développer votre capacité à contrôler l'avancement de la conception.

IV, Prêter attention à la flexibilité

Exemples concrets :

Deux designers m'ont particulièrement impressionné : l'un était très expérimenté, l'autre encore plus créatif. Ce dernier, en particulier, produisait des choses avec une rapidité exceptionnelle.

Les personnes expérimentées sont plus rationnelles dans leur conception. Elles proposent 7 à 8 alternatives et consultent leurs collègues. En raison de leur expérience, elles sont souvent plus indécises et recherchent toujours la perfection. Elles accordent une grande attention aux moindres détails.

Au fil du temps, les idées créatives du designer expérimenté sont devenues de plus en plus limitées, et il a produit de moins en moins. Pendant ce temps, un autre designer, grâce à l'accumulation progressive d'expérience et à une forte créativité, a progressivement dépassé le “ vétéran ”.

Ce n'est pas que le fait d'être rationnel et prudent soit une mauvaise habitude, mais plutôt que l'essentiel est de savoir quand il faut être rationnel et prudent.

Le domaine du design commercial exige de nous une grande ouverture d'esprit, et nous devons être capables d'adapter notre façon de penser.

Si vous n'avez pas de meilleures idées pour le moment, essayez de mettre votre travail de côté, de faire une pause ou de faire autre chose pour permettre à votre cerveau de se reposer.

Après tout, être designer, ce n'est pas comme être ouvrier dans une usine, où travailler davantage ne signifie pas nécessairement obtenir plus d'avantages.

Dans les limites de l'avancement du travail, vous devez être capable de passer d'une tâche à l'autre en temps opportun, ou tout simplement de ne pas travailler du tout, et éviter de rester bloqué sur une seule tâche.

Les personnes qui ont un sens aigu des responsabilités savent comment organiser leur travail.

V. Ne suivez pas aveuglément les règles de conception

La raison de la procrastination et de l'entêtement est en fait que nous sommes trop concentrés sur le fait de nous conformer ou non aux règles.

Tout d'abord, il est important de comprendre que suivre des règles ne signifie pas les appliquer aveuglément.

Je ne sais pas si c'est parce que je n'aime pas suivre les règles, mais quand quelqu'un m'en donne une, je ne peux m'empêcher de la remettre en question ou d'essayer de la transgresser.

Parce que j'ai davantage l'habitude de résumer les règles en me basant sur ma propre expérience pratique.

Bien sûr, je n'ai pas toujours été comme ça. Quand j'étais à l'université et quand j'ai commencé à travailler, je concevais honnêtement selon les règles.

Par exemple, j'ai appris de nombreux “ principes de conception vestimentaire ” :

Principes du design de mode

Principe d'unité

L'unité et l'harmonie ont des significations similaires. Dans le domaine de la mode, l'unité est souvent obtenue grâce à la coordination des éléments et des techniques. Dans un bon design, la disposition des différentes parties d'un vêtement, ainsi que la relation entre les parties et l'ensemble (tels que les matériaux, les couleurs et les lignes) doivent être cohérentes. Si ces éléments varient trop, le design manquera de cohérence. La répétition est le moyen le plus courant d'atteindre l'unité. Par exemple, l'utilisation répétée des mêmes couleurs ou lignes peut créer un style distinctif.

Principe de l'accentuation

Accentuation (également appelée accent ou conception de point focal). Bien que l'unité soit importante dans la conception, une unité excessive peut entraîner une certaine monotonie. L'approche la plus efficace consiste à mettre en valeur une partie distinctive afin de créer un point focal visuel. L'accentuation peut être obtenue par le contraste des couleurs (par exemple, en utilisant un passepoil rouge sur une tenue de couleur sombre), le contraste des matières (par exemple, en combinant de la fourrure de lapin avec du tissu en laine), la disposition des lignes (par exemple, un passepoil blanc sur les cols ou les poignets), les détails de coupe (comme les capes ou les coupes princesse) et l'utilisation d'accessoires (comme les foulards en soie ou les colliers de couleur métallique). Cependant, l'accentuation doit être utilisée de manière sélective, car trop de points focaux affaiblissent l'effet. La zone accentuée ne doit pas être excessive et doit être placée sur la partie la plus esthétique du corps afin de servir de centre visuel.

Principe d'équilibre

L'équilibre confère aux vêtements une impression de stabilité et de sérénité, et constitue un principe fondamental d'un bon design. L'équilibre peut être divisé en équilibre symétrique et équilibre asymétrique.
L'équilibre symétrique utilise la ligne médiane du corps humain comme axe, les côtés gauche et droit étant exactement identiques. Ce type de conception crée une impression de dignité et de formalité, mais peut sembler quelque peu rigide.
L'équilibre asymétrique met l'accent sur l'équilibre visuel. Bien que les côtés gauche et droit soient différents dans leur conception, ils semblent néanmoins équilibrés. Cet effet est souvent obtenu grâce à des motifs diagonaux (tels que des ourlets diagonaux), qui donnent une impression plus vivante et plus douce. En outre, il convient de prêter attention à l'équilibre entre le haut et le bas du vêtement, en évitant un aspect trop lourd en haut ou en bas.

Principe de proportionnalité

La proportion fait référence à la répartition des tailles entre les différentes parties d'un vêtement. Une proportion adéquate crée un effet visuel harmonieux. Par exemple, la relation entre l'encolure et la taille du col, ainsi que les proportions esthétiques des vêtements, doivent être appropriées. Le “ nombre d'or ” est souvent utilisé dans la conception de vêtements. De plus, les proportions des accessoires et des éléments décoratifs doivent également être soigneusement prises en compte.

Principe du rythme

Le rythme fait référence à des éléments répétitifs qui créent une impression de mouvement et de continuité. Parmi les exemples, on peut citer la répétition rythmique à travers des dégradés de couleurs, des variations de forme et de taille, des lignes répétées, des motifs de couleurs récurrents et des détails décoratifs tels que des volants ou des plis. Ces techniques sont couramment utilisées dans le design pour créer un rythme visuel.

À cette époque, je ne savais pas qu'il existait de meilleures règles, et j'étais trop jeune pour avoir rencontré des problèmes en utilisant ces règles.

Cependant, à mesure que votre expérience et vos connaissances s'enrichissent, vous vous rendrez compte que que certaines règles nous aident simplement à être paresseux dans une certaine mesure.

Cependant, je ne dis pas ici qu'il n'y a pas de bonnes règles et de logique dans le design, ou que les règles ne doivent pas être suivies du tout. Je suggère simplement de ne pas appliquer les règles aveuglément.

Avant d'utiliser des règles de conception, vous devez vous demander s'il est raisonnable de les appliquer dans ce cas précis.

VI, Ne vous fiez pas aveuglément aux tendances

Le plus grand inconvénient de se fier aveuglément aux tendances est que cela conduit à une homogénéisation du design.

Le marché national de l'habillement, en particulier celui des vêtements pour femmes, traverse depuis longtemps une période difficile. Ces dernières années, le marché a été morose et certaines entreprises ont réduit leurs investissements dans le développement de vêtements, voire ont directement suivi les tendances de la mode et abandonné la conception indépendante.

Compte tenu de cette réalité, afin de réduire les coûts et d'atteindre les objectifs de performance, la plupart des concepteurs (y compris les concepteurs de marques) choisir de découper les motifs des produits les plus vendus en différentes dimensions, puis les combiner pour créer de nouveaux motifs.

Il est juste de dire que le design national souffre d'une forte homogénéisation. Qu'il s'agisse des silhouettes ou du choix des éléments tendance, les designs semblent souvent complètement différents. En réalité, les préférences esthétiques chinoises diffèrent considérablement de celles des Européens et des Américains ; mettre trop l'accent sur l'imitation ne conduit qu'à une mauvaise imitation.

À ma connaissance, de nombreuses marques réfléchissent déjà à cette question.

Comme les tendances varient d'une année à l'autre, vous pouvez visiter différentes plateformes ou différents marchés, voire assister à des lancements de produits internationaux. Mais après avoir examiné tout cela, vous pourriez ne toujours pas être en mesure de tirer des conclusions. En effet, le champ d'application est trop vaste et, même si vous parvenez à tirer la bonne conclusion, votre analyse sera souvent inexacte, ce qui entraînera un gaspillage d'efforts et des résultats minimes.

Du point de vue des designers, ils parlent constamment des tendances actuelles et futures, de ce qui fait le buzz sur Instagram aujourd'hui et des blogueurs qui seront à la mode demain. Mais dans la pratique, ils sont souvent à la traîne. Soit leurs créations ne peuvent pas être traduites en styles pratiques et commercialisables, soit les produits ne fonctionnent pas bien après leur mise sur le marché.

Alors, si nous ne suivons pas aveuglément la tendance, que pouvons-nous faire ?

Suggestion :

Il n'est pas nécessaire de suivre aveuglément les tendances. Vous devez savoir ce qu'il faut abandonner, déterminer qui vous êtes et apprendre à développer votre propre compétitivité fondamentale.

Quant à ces tendances populaires, elles ont certainement leurs raisons d'être, ou plutôt, un certain degré de rationalité. Mais ce que vous devez vraiment comprendre, c'est que votre choix ne repose pas sur le fait de suivre la tendance simplement parce que tout le monde l'utilise.

VII, Sortez de votre zone de confort lorsque cela est nécessaire

Tout travail, en fonction du degré de familiarité, peut être divisé en “ zone de confort ”, “ zone d'entraînement ” et “ zone de défi ” (comme illustré ci-dessous) :

La “ zone de confort ” va sans dire. Vous n'avez pas besoin d'utiliser des outils de logique de conception ni même de réfléchir. Vous travaillez simplement en vous basant sur vos sentiments. Rester dans cette zone est ce qu'il y a de plus confortable. Cependant, votre travail consiste généralement à répéter sans cesse la même chose, ce qui ne contribue en rien à l'amélioration de vos compétences.

Par exemple :

“ Ce style et ce tissu semblent plutôt bien, et la couleur est sympa aussi. Pourquoi ne pas essayer ? ”

La “ zone d'entraînement ” sera plus difficile et pourra considérablement améliorer votre sensibilité au design.

À ce stade, vous devez transformer ces “ sentiments ” apparemment vastes et vagues en outils quantifiables qui vous sont propres.

Par exemple :

Nous l'analysons selon cinq dimensions, chacune correspondant aux caractéristiques du tissu. Ensuite, nous l'analysons plus en détail selon plusieurs aspects tels que la saison et le style afin de trouver la meilleure combinaison entre le tissu et le style.

Si vous parvenez à naviguer facilement dans la “ zone de défi ”, cela signifie que vous maîtrisez parfaitement la manière d'appliquer la réflexion que vous avez apprise, que vous mettez véritablement en pratique la réflexion structurée et que vous l'intégrez à vos capacités.

Par exemple :

Résumez l'état d'esprit nécessaire à la création d'ingrédients, puis revenez au niveau de l'application et mettez en pratique l'état d'esprit décomposé dans votre travail quotidien.

Zone de confort

Intuition
Le choix de ce tissu pour ce style semble convenir.,
La couleur semble convenir, pourquoi ne pas essayer d'abord ?
Assortissez les tissus directement en fonction de votre intuition.

Zone d'entraînement

Analyse déconstructive
Déconstruire à partir de cinq dimensions,
chaque dimension correspondant aux caractéristiques de ce tissu.
Ensuite, à partir de plusieurs aspects tels que la saison et les sensations,
décomposer davantage pour dériver la méthode de combinaison des tissus

Zone de défi

Application systématique
Résumez la réflexion qui a présidé au choix des matériaux.,
puis revenir au niveau de l'application,
et appliquer la pensée déconstruite au travail pratique consistant à combiner les styles avec les tissus.

Il n'y a rien de mal à avoir une “ zone de confort ”. Le problème, c'est de rester trop longtemps dans cette zone.

Travailler dans votre zone de confort implique généralement de répéter sans cesse les mêmes tâches, ce qui ne vous aide pas du tout à développer vos compétences.

Par conséquent, nous devons progressivement passer de notre “ zone de confort ” à notre “ zone d'entraînement ”.

Une fois que vous maîtrisez les compétences dans la “ zone d'entraînement ”, passez à la “ zone de défi ”, qui vous est totalement inconnue.”

Comportement des designers : ils savent comment travailler, comment apprendre et comment vivre.

Le développement des compétences professionnelles est essentiellement un processus comme celui-ci.

1. Soyez proactif et pleinement engagé dans votre travail, faites preuve d'un vif intérêt et incarnez un sentiment d'appropriation.
2. Collaborez avec des entreprises et des sociétés, traitez-les comme vos clients, faites-leur apprécier votre talent et recommandez-leur vos concepts.
3. Fait preuve de dévouement et d'esprit d'équipe. Tout projet est mené à bien grâce aux efforts collectifs de l'équipe, qui utilise des méthodes traditionnelles pour obtenir les meilleurs résultats possibles en termes de savoir-faire.
4. Les designers sont des créateurs artistiques et des professionnels de l'industrie de la mode. Ils se considèrent comme supérieurs aux autres et à l'entreprise, et assument donc pleinement leurs responsabilités envers leur carrière et leur travail. Ils font preuve d'un fervent dévouement à leur profession et d'un esprit d'innovation et d'exploration. Bien que leur travail soit exigeant, ils trouvent de la joie même dans les difficultés et éprouvent un immense bonheur.
5. Possède un sens aigu de la qualité du design et une grande efficacité au travail, caractérisé par un travail “ rapide, efficace, diligent, économique et esthétique ”.
6. Toujours agir sur le marché en adoptant le point de vue de l'investisseur. Le succès est la seule option possible ; l'échec n'est pas envisageable. Offrir aux entreprises au moins un sentiment de sécurité et réduire le nombre de risques.
7. Sachez vous vendre ; soyez un bon vendeur. Ayez un plan et des données commerciales pour soutenir vos créations. Soyez éloquent et communiquez fréquemment vos idées.
8. Possède une compréhension précise, une capacité de planification globale et des compétences de démonstration complètes.
9. Comprenez le marché de l'habillement et le fonctionnement des marques, et appréciez les atouts de la marque. Apprenez de vos clients, car ils représentent un certain groupe de consommateurs ; faites confiance à leur intuition et, en vous basant sur leurs opinions, effectuez des analyses, des synthèses et des jugements précis.
10. Doit posséder une bonne compréhension du marché, des capacités d'observation, d'analyse, de leadership et de développement (savoir identifier les produits tendance, ceux qui se vendent bien et ceux qui ont un potentiel de développement), s'immerger dans le marché, éviter de prendre des décisions à huis clos, récolter les fruits sans effort et s'abstenir de fantasmes irréalistes. Doit posséder la capacité de travailler de manière indépendante.

(Planification → Contrôle strict → Décentralisation du travail → Réalisation des objectifs → Gestion globale des stocks)

11. Apprenez à créer des storyboards (scénarios) : pour la communication interne au sein du département conception, pour la collaboration marketing, pour les séries de designers (image de marque personnelle) et pour les séries de marques (image de marque commerciale).
12. Le programme de conception est à court terme, à haute fréquence et très rentable, combinant art et praticité (c'est-à-dire combinant approches académiques et commerciales).
13. Maîtrisez les six conditions fondamentales de la conception vestimentaire : Qui le porte ? Quand le porte-t-on ? Où le porte-t-on ? Qu'est-ce qui le porte ? Pourquoi le porter ? Comment le porter ?
14. Travaillez dur, amusez-vous bien et profitez pleinement de l'apprentissage et de la vie. Avant-gardiste, passionné, confiant, optimiste et jeune d'esprit : en bref, un excellent caractère est la principale exigence pour devenir un créateur de mode qualifié.

Dernière réflexion

En tant que créateur de mode, outre les connaissances et les compétences mentionnées ci-dessus, il existe un autre facteur crucial : la personnalité du créateur. En termes simples, “ pour être un bon enseignant, il faut d'abord être une bonne personne ”. Plus élégamment, cela devrait être “ posséder à la fois la vertu et le talent ”. Ici, “ manquer de moralité, être malhonnête, égoïste, préoccupé par ses gains et ses pertes personnels, et manquer de dévouement ” signifie qu'il sera difficile de travailler avec diligence, de tenir compte des autres et de coopérer efficacement. Les entreprises modernes sont organisées comme des groupes militarisés et collaboratifs ; aucun individu ne peut à lui seul accomplir toutes les tâches de chaque service et de chaque poste. Par conséquent, les créateurs doivent comprendre leur place et éviter d'être arrogants, dominateurs ou condescendants.

La capacité à coopérer avec les autres, en particulier ceux qui sont plus compétents que soi-même, est souvent un facteur clé dans la réussite d'un créateur. La clé du succès réside dans la capacité à gérer efficacement les relations interpersonnelles. Comme le dit le proverbe, “ un héros a besoin de trois aides ”, et l'attrait du style attire un grand nombre de personnes volontaires et dévouées. Actuellement, la stabilité politique, la prospérité économique et le développement de l'industrie du vêtement offrent à nos designers un environnement favorable et une occasion historique de mettre en valeur leurs talents. Cependant, le succès dépend dans une certaine mesure de la maîtrise de “ l'élément humain ”. En termes modernes, “ l'élément humain ” signifie être capable de bien gérer les relations interpersonnelles au travail, de coopérer efficacement, de reconnaître les forces des autres, d'être tolérant et de savoir comment utiliser les talents.

De plus, lorsqu'on est en concurrence avec ses pairs sur le marché, il faut être intègre et honnête, et ne jamais essayer de s'élever en dénigrant les autres. Les coutumes dépassées de l'ancienne économie agraire, telles que “ les érudits s'affrontent ” et “ les concurrents sont des ennemis ”, ne sont pas adaptées à notre époque.